Fuerza 10 de Navarone (Force 10 from Navarone)

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La película "Fuerza 10 de Navarone" tiene una historia curiosa detrás. Alistair McLean escribió en 1957 su novela "Los cañones de Navarone" sobre un comando británico que debe de destruir unos cañones alemanes. En el año 1961, "Los cañones" fue adaptada a la pantalla y el productor realizó profundos cambios en los personajes: metió un par de romances y transformó la nacionalidad norteamericana de Miller en británica. Como la película fue un auténtico éxito, McLean se decidió a hacer una secuela en la que volvió a juntar a los tres principales personajes: Mallory, Miller y Andrea ¡pero los de la película, no los de su propia novela! El libro se publicó en 1968 y fue un éxito. Así que inmediatamente se pensó en adaptarlo a la pantalla. Pero por una serie de problemas con el guión y con los actores hasta el año 1978 no se estrenó la película. Y con un guión en el que se alteró sustancialmente la trama, desaparecen personajes principales (Andrea) y aparecen nuevos (Barnsby, Weaver y Nicolai).

Los papeles estelares de Mallory y Miller recayeron en Robert Shaw y Edward Fox. Como la productora era americana esta vez se intentó dar más peso a los actores de dicha nacionalidad. Así los Royal Marines fueron sustituidos por comandos americanos liderados por el Teniente Coronel Barnsby (Harrison Ford) y por si fuera poco se metió con calzador a un recluso negro (Carl Weathers) quizás con la idea de que recordase al personaje de Jefferson en "Doce del patíbulo". Como había capital italiano también se metió a Franco Nero (Nicolai). La dirección recayó en Guy Hamilton, famoso por sus películas de la saga Bond, aunque también por la notable "La Batalla de Inglaterra". Hablando de Bond, también nos encontramos al actor Richard Kiel en el papel de despiadado líder chetnik (aunque cuando fue estrenada la película eran croatas). Esta vez el grupo de comandos es lanzado sobre Yugoslavia para tratar de descubrir a un traidor y de paso destruir un puente que evite una ofensiva alemana destinada a aplastar a los partisanos yugoslavos. Como en otras obras de McLean, nada es lo que parece, y hay continuos giros del guión y de las motivaciones de los personajes.

La película se rodó fundamentalmente en Montenegro y otras localidades yugoslavas, aunque las maquetas fueron rodadas en unos estudios de Malta. Inicialmente iba a durar 128 minutos que fueron reducidos a 118. Para colmo, Robert Shaw murió antes de haber podido doblar completamente a su personaje y su voz tuvo que ser imitada. Tras un monto total de 10 millones de dólares, la película fue un fallo de público y crítica. Tan solo recaudó 7,2 millones en los USA. Sonaba demasiado a producciones anteriores sobre comandos, y además, aunque Shaw, Fox y Ford son actores buenos, no llegan al nivel de Peck, Niven y Quinn.

Si uno la vuelve a ver la puede encontrar entretenidilla, e incluso tener su escena predilecta. La mía es la aquella en la que Fox está dando instrucciones a Shaw y Ford de cómo deben de disponer las cargas en la presa y luego les dice: - Deja a la Naturaleza que siga su curso. Posteriormente veremos una original secuencia de física recreativa con unos efectos especiales bastante majos si tenemos en cuenta la época en la que están hechos.

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Crítica en el blog de von Kleist

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Los cañones de Navarone (The Guns of Navarone)

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"Los cañones de Navarone" podría ser definida como el arquetipo de las películas de comandos. Porque lo tiene todo: misión peligrosa, traidor dentro del grupo, escenas espectaculares, sólidas interpretaciones, toques de comedia, romance, una gran banda sonora, ... Como supongo que a estas alturas todo el que lee el blog la ha visto al menos una vez, no le importará que cuente cosas del argumento.

El productor Carl Foreman compró los derechos de la novela homónima de Alistair MacLean. Encargó el proyecto al director Alexander Mackendrick pero al poco tiempo los sustituyó por J. Lee Thompson. En el guión trabajó el propio Alistair McLean, pero afortunadamente Carl Foreman metió la tijera y la aguja, cambiando algunos aspectos de la historia original que la mejoraron sustancialmente en la pantalla (me leí el libro después de haber visto la película y recuerdo que me defraudó bastante). Los principales cambios introducidos por Foreman fueron:

Introducir el romance entre Mallory (Gregory Peck) y Anna (Gia Scala). Es gracias a ello que puede existir una de las mejores escenas del cine bélico sobre lo que significa la "responsabilidad del mando": el momento en el que se descubre que Anna es la traidora y se decide lo que hay que hacer con ella. Peck sabe que debe ejecutarla aunque la ame, pero espera que el trabajo sucio lo haga otro. Y entonces Miller (David Niven) se vuelve y le dice a Mallory que ya que él siempre está pidiendo a los demás sacrificio y que tomen decisiones difíciles, pues ahora le ha llegado su turno. Situación resuelta de forma magistral cuando vemos que quien ejecuta la sentencia es realmente la persona que más traicionada se siente.

Hacer que David Niven encarne al experto en explosivos. En la obra original es un tipo duro y cínico de origen polaco-americano. En la pantalla Niven sólo se queda con lo de "cínico" y se transforma en un irónico profesor de química totalmente opuesto al personaje literario y con un peculiar sentido del humor. Probablemente la mejor interpretación de Niven en la gran pantalla.

Otro personaje introducido es el de María (Irene Papas), que dará pie al romance final con el coronel Stavros (Anthony Quinn). Hay que apuntar que en la obra escrita los miembros de la resistencia son dos hombres en lugar de dos mujeres. Pero Foreman tenía suficiente ojo para darse cuenta de que el romance atraería al público femenino, mientras que la acción al masculino.

No permitir que Roy Franklin (Anthony Quaile) muera en el acantilado sino que sobreviva a la caída y sea capturado por los alemanes. Lo cual dará pie a las famosas escenas de tortura a cargo del malvado capitán Sessler de las SS (¡no es broma!) y de ver como tratan de romper su espíritu a base de escopolamina. Pero Quaile se comportará como se espera de un oficial británico.

Transformar al duro de "Butcher" Brown (Stanley Baker) en un asesino arrepentido que al final paga caro su "blandura". En la obra es el típico personaje que no quiere que le vean como un cobarde.

También tiene cosas malas, no se pueden negar. En primer lugar el argumento es bastante increíble. ¿De verdad alguien se imagina que los alemanes han construido una fortaleza de ese tamaño para albergar un par de "Doras" en una isla perdida del Mediterráneo? Hay un bajón de ritmo bastante evidente hacia la mitad de la historia. Y finalmente, como en muchas otras películas, los alemanes son los típicos "malos" tontos que mueren como chinches cuando se enfrentan a los "buenos" Stavros y Pappadimos (James Darren). Nunca antes un par de granadas y metralletas Sten habían sido tan destructivas.


En cuanto al aspecto histórico, McLean se basó en una derrota de los británicos y la convirtió en una victoria de la ficción. El año es 1943, y los alemanes están a punto de culminar la reconquista de las Islas del Egeo (Campaña del Dodecaneso). La campaña fue iniciada por los británicos con el objetivo de abrir una vía mediterránea para los convoyes hacia la URSS y presionar a Turquía. Los alemanes contraatacaron y desbarataron la operación. En la película, la última guarnición británica son los 2.000 hombres de la isla de Kheros y los ingleses planean evacuarles. En la realidad, la campaña fue un auténtico desastre pues los alemanes tenían superioridad aérea y consiguieron anular todo el poderío de la Royal Navy. Se perdieron la casi totalidad de los 5.000 soldados británicos involucrados, además de gran cantidad de material. Fue uno de los perores errores estratégicos de Churchill.

Pero volviendo al aspecto cinematográfico, es una de esas películas que ha sabido envejecer y que ha influido en producciones posteriores. Fue un gran éxito en su época y se la nominó a siete oscars, entre ellos el de mejor película, mejor director y mejor banda sonora. Al final sólo se llevó el de efectos especiales. Y es que Foreman, Thompson y Dimitri Tiomkin lo tuvieron difícil pues compitieron con "West Side Story" y "Desayuno con Diamantes". Lo cierto es que es una película que podría haber sido un bluff, pero rememorando uno de los diálogos entre Peck y Niven.

- ¿Está seguro de que funcionará?
- No hay garantía segura, pero en teoría es factible.

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• Crítica en el blog de von Kleist

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• Inicio - Banda sonora
• El capitán Sessler
• Secuencia final
  

Malditos Bastardos (Inglourious Basterds)

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Cuando escribí mi entrada "Sentirse como un perro verde" aún no se había estrenado la última tarantinada: la película "Malditos Bastardos". Bueno, está claro que me adelanté, porque si uno se mira la lista de enlaces de abajo comprobará que soy uno de los pocos que opina que no es una gran película y mucho menos una obra maestra. Es una fantasmada bélica bastante regularcilla.

Hay veces que vas al cine y al salir te sientes estafado. Esperas una cosa, pagas por ella y después te das cuenta de que te han dado gato por liebre. Con "Malditos Bastardos" no me pasó porque sabía que iba a ver una de Tarantino que era una especie de fábula ambientada en la IIGM y en la que el rigor histórico brillaba por su ausencia (igualito que las de "Rambo" o similares). Esperaba truculencia, sangre con algunas gotas de erotismo y superficialidad absoluta, y es lo que tuve. Me resultó entretenida en líneas generales. Tiene secuencias muy majas como la de la taberna pero también tiene muchos momentos-ladrillo como el del comienzo (sí, la secuencia en la granja me parece lenta y larga). Es cierto que hay veces que la sensación que te produce una película la primera vez que la ves puede cambiar cuando la vuelves a ver una segunda vez. Este no es el caso. La he vuelto a ver recientemente y sigo opinando que es una fantasmada bélica regularcilla, y además demasiado larga.

Si debo decir que hay algo en lo que coincido con muchos de los que han visto esta cinta. Lo mejor que tiene es Christoph Waltz en su papel del coronel Landa. Y tampoco es que sea para tanto, porque al final sobreactúa (¿Un oscar? bueno, si se lo dieron a Pé tampoco tiene que extrañarnos tanto). Ese personaje es lo que salva a está cinta de ser un desastre y que confirma una de las leyes no escritas sobre el séptimo arte: una gran película tiene un gran malvado, pero un gran malvado no hace una gran película.

Este film me ha confirmado que Tarantino sólo sabe hacer una determinada película y que siempre la está repitiendo. La banalización de la violencia puede sorprenderte la primera vez, valorarla la segunda, pero a la tercera vez ya canta (y no digamos a la sexta). Me aburre que copie tanto el estilo de "Spaguetti Western" y lo traslade a cualquier época que se le ocurra (¿lo siguiente que será? ¿La época romana copiando las películas de Maciste?). Y me produce tristeza que utilice trucos para camelarse a la crítica especializada como el continuo uso de "guiños", mejor dicho, "muecas" al cine clásico (atención pregunta: ¿cuántas veces alguien dice el apellido Pabst o Jannings?). El colmo del peloteo es cuando reduce el desarrollo de la IIGM a una mera contienda entre películas de propaganda producidas por los nazis o los aliados y deben de mandar a un crítico de cine como agente secreto al estilo de George Peppard en "Operación Crossbow". ¡Tiembla Hollywood, que viene la UFA!

Y es que si hay algo que sabe hacer bien Tarantino es vender la burra (incluso "Death proof" tiene un 7,2 de nota en la IMDB). En esta ocasión incluso ha conseguido que una estrella como Brad Pitt se convierta en un mero objeto de merchandising. En el cartel de la película es la figura que más destaca e incluso su nombre indica que la cinta está protagonizada por él. Sin embargo su tiempo total de interpretación es muy similar al de Sylvester Groth, el que actor secundario que da vida a Goebbels). Aunque por otra parte me alegro porque lo hace fatal.

En resumen, tras haberla visto dos veces lo que saqué en claro es lo siguiente:

1.- El nazi bueno, es el nazi muerto
2.- Torturar nazis es bueno, es divertido, es deporte y es arte.
3.- Todo alemán es un nazi
4.- Aquel alemán que no sea un nazi es un psicópata y seguramente merece morir.
5.- En caso de duda, aplicar las reglas número 1 y número 2.

Epílogo: Érase una vez un mundo donde los médicos no sabían lás técnicas básicas de la cirugía estética.

Link relacionados. He procurado que salgan todos los comentarios de otras webs amigas, pero es posible que se me haya escapado alguna. Si has hecho una crítica a esta película en tu blog y quieres que aparezca en esta lista basta con que lo indiques en los comentarios:

- Crítica en el blog de Von Kleist
- Crítica en "El séptimo cielo"
- Crítica en "Cine y política"
- Crítica en "Videa bien"
- Crítica en "Tengo boca y no puedo gritar"
- Crítica en "El cine de Hollywood"
- Crítica en "Cine 9009"
- Crítica en "Galax Pictures Blog"

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- Trailer
- Hans Landa
- Interrogatorio

De Dunkerque a la victoria (Contro 4 bandiere)

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Nada más nacer el blog, dediqué mi segunda entrada a la que en mi opinión es la peor película bélica que jamás se haya filmado. Y es que para degustar lo bueno, también hay que probar lo malo. En estos años han aparecido unas cuantas películas infames, pero siempre dentro de algún ciclo y acompañando a otras obras de mejor calidad. Bueno, pues creo que es hora de comentar algunas de esas "obras infames" en exclusiva.

"De Dunkerque a la Victoria" es un truño con mayúsculas. Esta co-producción Italo-franco-española es una especie de cóctel de la película de 1960 "Los cuatro jinetes del Apocalipsis" (no confundir con la clásica de 1921) mezclada con "Eric, oficial de la reina" y "La batalla de las Árdenas", pero mucho más cutre y aburrida. Solo la he visto una vez, en su estreno hace ya muchos años. Estaba en plena adolescencia y recuerdo que esa fue una de las primeras ocasiones en las que fuí al cine con unos amigos, sin la compañía de los padres. Reconozco que en aquella época mis gustos no estaban muy pulidos y me tragaba casi cualquier cosa sin rechistar. Con esta película casi me salgo del cine. Fue un auténtico tostón.

La historia base no es mala aunque la hayamos visto antes. Seis amigos de diferentes nacionalidades ven truncada su amistad por la guerra, y cada uno de ellos interpretará a un estereotipo de los que lucharon ese conflicto: el comando, el piloto de caza, el oficial nazi, el corresponsal y la resistente francesa. Y asistiremos a la evacuación de Dunkerque, la batalla de Inglaterra, algunos raids, unas cuantas acciones de la resistencia y por supuesto la batalla de Normandía. Lo malo es que todo tiene una aire de producción barata y descuidada.

Mis neuronas la han ido borrando lentamente de mis recuerdos, así que tan sólo tengo en la memoria algunas imágenes sueltas como la patética escena en la que palma Horst Buchholz. Sobre la calidad interpretativa del resto de actores y las habilidades del equipo técnico, bueno lo mejor es comprobarlo uno mismo. Basta ver el video titulado "Muerte de Capucine" para imaginarse el resto.

Links relacionados:

La crítica en el blog de Von Kleist

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• Trailer


• Secuencia inicial


• Muerte de Capucine

Clandestino y Caballero (Cloak and Dagger)

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Cuando uno ve esta película acaba con una sensación de déjà vu. Y no le faltará razón porque es el precedente de al menos dos películas que seguro que habrá visto, aunque las dos son mucho más modernas que esta.

"Clandestino y caballero" es una película de espías estrenada justo al año de haber acabado la IIGM. Su título original significa "A capa y espada", y lo cierto es que parece un folletín del Barroco pero ambientado en el siglo XX. Cuenta la historia de Alvah Jesper (interpretado por Gary Cooper), un científico del proyecto Manhattan que es reclutado por la OSS para ir a Suiza e intentar contactar con una científica europea que trabajaba para los nazis y de los cuales ha conseguido escapar. Su misión consistirá en informarse sobre el estado del desarrollo del proyecto atómico alemán. Los nazis no se quedaran cruzados de brazos y las circunstancias le obligaran a viajar a Italia donde gracias a la resistencia contactará con otro científico italiano al que intentará convencer para que deserte. Pero éste se niega a ser evacuado a menos que su hija sea puesta a salvo. Entre los resistentes está la bella Gina (Lilli Palmer) que como era de esperar se enamorará del profesor Jesper. Lógicamente los nazis no pondrán las cosas fáciles, aunque el valeroso grupo de resistentes italianos intentará que Jesper cumpla su misión.


Seguramente los seguidores del blog habrán adivinado ya una de las películas que tiene un cierto parecido con la trama aquí resumida. Sí, se trata de "Cortina rasgada" de Hitchcock, pero allí el papel de científico lo interpretaba Paul Newman, y es bastante mejor que esta. La segunda, bueno, prefiero que el lector lo adivine viendo los videos que aparecen al final del comentario. Y el final también recuerda a una tercera película, pero esa es anterior a esta.


Esta película es una obra menor del director Fritz Lang. La trama es más bien ingenua porque es difícil de creer que un científico del Proyecto Manhattan, aunque fuera el último mono, sea puesto en riesgo de ser capturado en la Europa de Hitler. Y no digamos ya que ese científico tuviera entrenamiento de combate cuerpo a cuerpo. Pero hay que entenderlo, Cooper es el protagonista. Tiene de todas formas algunos momentos interesantes. A mi me gustó uno en el que el personaje de Cooper se pasa de listo. Es aquel en el que nada más llegar a Suiza se da cuenta de que hay una persona que fotografía a los pasajeros que abandonan el aeropuerto. Así que Cooper se tapa el rostro con el sombrero. Cuando le explica muy ufano a su contacto de la OSS en Suiza lo que ha hecho este le echa un jarro de agua fría al indicarle que de esa forma lo único que ha conseguido es llamar la atención y que seguramente los espías alemanes saben ahora quién es él. También me gustó la forma en que consiguen chantajear a una doble agente alemana o el asalto a la casa donde tienen escondida a la científica que Jesper ha ido a buscar.


Como anécdota de la película está el hecho de que se censuró un diálogo en el que Cooper se quejaba de la gran cantidad de dinero que se estaba gastando en fabricar un arma atómica y el poco dinero que se daba a la mejora de la sanidad o la alimentación. Estaba claro que la Guerra Fría ya hacía estragos.


En el lado histórico la trama se basa en las experiencias de Michael Burke, un agente de la OSS que intervino en Francia y en Italia. Su misión era precisamente la de contactar con científicos en esos países para determinar el grado de avance de la tecnología del Eje e intervino en la misión Alsos. De hecho llegó a participar como asesor en el rodaje e incluso filmó algunas escenas, pero estas fueron luego eliminadas. En 1950 participó en una operación secreta en Albania y después se retiró. Llegó a ser presidente de los New York Yankees.


Una película típica de su tiempo. Interesante para los amantes del cine clásico en blanco y negro.

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Final de la película (Sólo falta Cafeaulait)

Paisà

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"Paisà" es la segunda película de la trilogía neorrealista de Rossellini. Se trata de una película atípica en el cine bélico pues está compuesta de diversos historias sobre las relaciones entre los seres humanos envueltos en una guerra con el nexo común de que están ambientadas en la Italia de la Segunda Guerra Mundial. Entre episodio y episodio, Rossellini aprovecha para situarnos en el contexto histórico utilizando material de noticiarios y documentales.

Lo más destacable de esta cinta es que los seis capítulos componen un buen cuadro de casi toda la campaña italiana, desde 1943 hasta el invierno de 1944. Pero, al igual que en "Roma, ciudad abierta", Rossellini prefiere mostrar los terribles acontecimientos que se dieron en dicha campaña a través de historias centradas en diversos individuos anónimos que participaron en las mismas. Asimismo, vuelve a usar las devastadas ciudades como escenarios de la acción y a utilizar un reparto completo de actores no profesionales. En muchos casos, dichos actores representaban los mismos papeles que habían interpretado en la vida real, es decir, eran civiles italianos, soldados americanos o soldados alemanes.

La primera historia está ambientada en el desembarco en Sicilia ocurrido en julio de 1943. Una patrulla americana llega a un pueblo y solicita que la ayuda de los paisanos para descubrir las posiciones alemanas. Una chica les ayudará y establecerá una amistad con uno de los soldados. A pesar de la diferencia de idioma entre ellos surgirá un atisbo de romance.

La segunda historia transcurre en el Nápoles ocupado tras la operación Avalancha. Un pequeño truhán ayuda a un soldado negro totalmente borracho y evita que sea desvalijado (una historia parecida también está recogida en la novela "La piel" de Curzio Malaparte), pero por su ayuda decide "tomar prestadas" las botas del soldado. El soldado negro es un policía militar y al día siguiente se encontrará con el pilluelo. Al tratar de recuperar su calzado descubrirá las condiciones de miseria en las que vivían los civiles napolitanos. Personalmente este es el episodio que más me gusta.

La tercera historia nos muestra la ciudad de Roma seis meses después de su liberación. Las calles están llenas de prostitutas y soldados aliados borrachos. Al escapar de una redada una de estas se junta con un soldado ebrio y se lo lleva a su habitación. Allí descubrirá que ambos se conocieron el 4 de junio de 1944, cuando Roma fue liberada y las cosas eran muy distintas.

La cuarta historia nos lleva a las luchas entre partisanos ocurridas en la ciudad de Florencia. Una enfermera americana tratará de encontrar a su amante, un líder partisano, en medio de dicho combate. Ante el avance aliado los partisanos se levantaron y los combates se iniciaron el 5 de agosto. El 11 de agosto de 1944, los alemanes evacuaron Florencia tras declararla "ciudad abierta". Destruyeron todos los puentes sobre el Arno pero respetaron el Ponte Vecchio por orden del propio Hitler. En el episodio se hace referencia a la línea telefónica dispuesta por los partisanos entre las riberas del Arno y que permitió mantener las comunicaciones. Tras la retirada alemana, algunos francotiradores fascistas intentaron una resistencia desesperada.

La quinta nos traslada a un monasterio franciscano en medio de los Apeninos. Este monasterio no ha sufrido ningún daño pues afortunadamente no dominaba ningún punto estratégico y los contendientes no se lo han disputado. A dicho monasterio llegarán tres capellanes castrenses norteamericanos: un sacerdote católico, un pastor protestante y un rabino judío. Una curiosidad de este episodio es que los frailes eran frailes franciscanos auténticos.

Finalmente, la sexta historia se desarrolla en el invierno de 1944 en las marismas del Po cercanas a Venecia. Miembros de la OSS entrenan a guerrillas partisanas para combatir a los alemanes e intentar rescatar a pilotos aliados derribados. Se nos muestran las terribles represalias de los alemanes contra los partisanos y contra los civiles que les apoyaban. Hay una escena que resaltar hacia el final cuando un fanático oficial alemán todavía está convencido de la victoria final y suelta el discurso del "Reich de los mil años", aunque para eso haya que destruirlo todo. Justo antes de proceder a la ejecución de los partisanos.

En el aspecto histórico la película tiene sus fallos aunque menores. Por ejemplo, el soldado negro de la tercera historia no podía ser un policía militar. Si no estoy equivocado la única unidad de infantería de combate con soldados negros era la División 92 (los famosos Buffalo Soldiers), y esta no llegó a Italia hasta el 30 de julio de 1944. Esta división si tenía su propio destacamento de policía militar. El resto de soldados negros que había en Italia eran utilizados en servicios como suministros o construcciones, pero no en labores de policía militar.

Pero creo que tiene más aciertos que fallos. El episodio de Florencia está basado en la muerte de Aligi Balducci, el jefe de la agrupación partisana "Arno" y se critica la pasividad aliada en ayudar a los partisanos que combatían en la ciudad. Así vemos a dos oficiales británicos que parecen estar tomando el té y disfrutando de las vistas de la ciudad. No está muy claro porque los británicos esperaron hasta el 13 de agosto para entrar en Florencia, cruzar el Arno y atacar a los alemanes en retirada. Pero hay que recordar que los británicos eran en extremo cautelosos. En ese episodio hay que destacar la escena de la ejecución de los francotiradores fascistas por su crudeza.

Personalmente creo que es una buena película. Quizás si hubiera tenido a grandes actores en el reparto habría sido más famosa. Siendo sinceros, las interpretaciones dejan bastante que desear, y eso daña el aspecto dramático de las historias. Asimismo, algunas de dichas historias no terminan de tener un argumento redondo, parecen inacabadas. Un poco más de pulido en el guión habría estado muy bien. Pero yo la destacaría porque Rossellini consigue transmitir ese "realismo" mucho mejor que en otras de sus producciones más famosas.

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Roma, ciudad abierta (Roma, città aperta)

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Haciendo de la necesidad, virtud, Roberto Rossellini consiguió rodar "Roma, ciudad abierta" y dar nacimiento a un nuevo estilo cinematográfico conocido como Neorrealismo Italiano. En agosto de 1944, Rossellini, Fellini y el guionista Amidei comenzaron a trabajar en el guión. El rodaje se inició en enero de 1945, seis meses después de la ocupación de la ciudad por los aliados. Es decir, la producción se llevó a cabo en una Italia completamente devastada por la guerra, y con una carencia absoluta de dinero, materiales, decorados y actores. Es por ello por lo que se realizó una gran parte del rodaje en exteriores y con luz natural consiguiéndose el toque de documental y la fotografía de las grandes masas de civiles tan características del neorrealismo. Tan sólo se construyeron cuatro decorados para el rodaje de interiores. En la producción sólo hay dos actores profesionales, Aldo Fabrizi interpretando al cura Don Pietro y la temperamental Anna Magnani en el papel de Pina. El resto son aficionados que nunca se habían puesto delante de una cámara. Rossellini llegó a utilizar a prisioneros de guerra alemanes para el papel de soldados nazis.

La historia está basada en diversos acontecimientos que ocurrieron en la Roma ocupada por los alemanes antes de su evacuación. En concreto el asesinato de Teresa Gullace por los alemanes y el fusilamiento del sacerdote Giuseppe Morosini por colaborar con los partisanos. Con un evidente maniqueísmo, Rossellini nos muestra por un lado a los buenos: -la Resistencia Italiana y los civiles romanos -, y a los malos: -los alemanes y los colaboradores-.

La leyenda dice que la filmación comenzó antes de que los alemanes evacuaran Roma y que la resistencia italiana robaba la película para Rossellini. Como los rollos de película eran diferentes entre sí, esto explicaría el aspecto de que la película parezca estar hecha a trozos de diferente brillo y contraste. Pero eso es sólo una leyenda. El negativo original está compuesto por tres tipos de película y todos los exteriores están filmados con el mismo tipo. Los cambios de brillo y contraste tan sólo se debieron a que el revelado fue deficiente.

A pesar de que se la considera una de las obras míticas del séptimo arte, yo creo que esta película no está envejeciendo bien y está quedando más como una obra sobre como creía verse a si misma la Italia de 1945, que como era la Italia de 1943-44. Una de las cosas que menos me gustan es el retrato tan benevolente de los propios italianos como si no hubieran sido aliados de los alemanes y no hubieran nunca roto un plato. De hecho los colaboracionistas que salen parecen de otro país. Y si ya nos fijamos en el retrato de los alemanes ni te cuento. Para mi el peor error de la película es el estereotipo del nazi malo malísimo y además maricón. Prefiero ese término a afeminado porque creo que es el que intenta transmitir la película, el de que los alemanes además de ser unos sádicos eran unos degenerados. Desgraciadamente, los italianos mientras iban ganando no cuestionaron el fascismo. De hecho, Italia fue fascista antes que el nazismo llegara a Alemania. El propio Rossellini realizó entre 1941 y 1943 una trilogía de películas de propaganda bélica fascista: "La nave bianca", "Un pilota ritorna", "L'Uomo della croce". Un poco de autocrítica no habría venido mal.

Un punto interesante de esta cinta es que es una de las primeras en que nos muestra el efecto de la guerra sobre los niños como una metáfora de lo males causados. En este caso es el hijo de Pina quien representará ese dolor. Los niños también participan activamente en el conflicto como miembros de la resistencia. Rossellini volverá a utilizar a los niños en posteriores producciones dándoles un mayor protagonismo. No en vano, uno de los fotogramas más famosos de la película es la fila de niños con Roma al fondo.

Lo mejor de la película son las interpretaciones de Fabrizi y de la Magnani. Como ya han señalado los blogs de Steiner y Kleist, esta película contiene una de las secuencias más memorables, trágicas y poderosas del cine. Se trata de la muerte de Pina cuando corre desesperada tras los alemanes que se llevan a Francesco, su prometido. Con dicha secuencia y con el martirio de Don Pietro, "Roma, ciudad abierta" puede considerarse como un auténtico canto al amor y el valor humano frente a una opresión despiadada. Pero a pesar de su trágico final, de toda esa destrucción y horror, se nos muestra que todavía puede haber una esperanza.

Quizás la frase que mejor resume el espíritu de la película es la de Don Prieto: No es difícil morir bien. Es difícil vivir bien.

La crítica de Steiner

La crítica de Von Kleist

La crítica en Miradas de cine

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Masacre: ven y mira. (Idi i smotri, Иди и смотри)

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"Masacre: ven y mira" comparte algo con las anteriores películas rusas comentadas. En un caso es una película sobre partisanos. Y en el otro es que fue producida para para celebrar el 40 aniversario de la "Gran Guerra Patriótica", durante Segunda Guerra Mundial. El título proviene del libro del Apocalipsis, al comienzo del capítulo 6 se lee: y oí á uno los cuatro animales diciendo como con una voz de trueno: "¡Ven y mira!".

Cuando se realizó esta película la antigua URSS se encontraba en plena decadencia, aunque muchos en el mundo occidental creían que no. El año de su estreno Gorbachov llegó al poder, y lo que se creía que iba a ser un reajuste de un regimen dictatorial acabó convirtiendose en el derrumbe de un imperio. Mirando hacia atrás, algunos historiadores han creído ver en la obra de Elem Klimov uno de los primeros sintomas de aquella decadencia. Porque ciertamente en "Masacre: ven y mira" no hay "héroes de la URSS" ni motivos para "celebrar" nada y si para el pesimismo y la desesperación.

La cinta está ambientada en la devastada Bielorrusia de 1943. Y como en otras obras maestras del género bélico, Klimov nos mostrará la locura y destrucción de la guerra a través de los ojos de un menor. El protagonista es Florya (Aleksei Kravchenko), un chaval de 14 años que sueña con unirse a los partisanos. Su madre evidentemente no quiere dejarle ir pero los partisanos llegan a la aldea y se lo llevan. Una vez en el campamento partisano Florya comienza a descubrir que sus sueños de gloria poco tienen que ver con la guerra de verdad. Se está preparando una incursión, pero en el último momento el jefe partisano decide dejar a Florya, junto con la joven Glasha, en la seguridad del campamento. Es de destacar que los partisanos que nos muestra esta cinta están muy alejados de los estereotipos heroicos de producciones anteriores (rusas o aliadas). Parecen una horda de bandidos más preocupados de conseguir bebida, comida y mujeres que de batir a los alemanes. Solo hay que ver la escena en la que se hace la "heroica foto de grupo partisano" con la vaca.

En la segunda parte de la película el campamento partisano es arrasado por la artillería alemana. Tropas paracaidistas comienzan a caer en la zona por lo que Glasha y Florya deben escapar. Debido a las explosiones Florya se queda sordo (esta escena parece un precedente de otras dos similares en "Salvar al soldado Ryan" en la que Tom Hanks se queda confuso tras un estallido). Cuando llegan a la aldea de Florya se encuentran con que está desierta. Al poco encontrarán a la mayor parte de sus habitantes asesinados por las tropas SS y los Einsatzgruppen. Glasha y Floria intentan esconderse en los pantanos junto con los supervivientes de la aldea. Sin embargo los alemanes continuan con su caza de partisanos. En una escena con cierto sabor a "Apocalypse Now", una vaca es acribillada por balas trazadoras alemanas (las balas son de verdad y estamos viendo a la vaca morir). A estas alturas el rostro jovial y juvenil de Florya se ha convertido en una máscara inexpresiva. Gracias a un campesino llega a la aldea de Perekhody buscando refugio.

Llegamos así a la tercera parte de la película. El Einsatzgruppen llega también a la aldea. En una secuencia que es un auténtico pandemonium, los alemanes agrupan a las mujeres y niños y los introducen en un gran edificio que recuerda a una iglesia, aunque no se ve un sólo símbolo religioso. Una vez están todos dentro, los alemanes prenden fuego al edificio. Mientras oímos a los habitantes gritar, los alemanes se están corriendo una gran juerga. Probablemente esta sea la secuencia más famosa de esta película y fue también copiada en una película más moderna, aunque en este caso se trató de la pésima "El patriota".

Cuando por fin llegan los partisanos es demasiado tarde para evitar la masacre, aunque si consiguen emboscar a los alemanes. En una escena bastante llamativa vemos a tres prisioneros: un comandante alemán, un hiwi, y un teniente de las SS. El comandante y el hiwi ruegan por sus vidas, mientras que el teniente de manera desafiante les dice que son una raza inferior que debe de ser exterminada.

Y es ahora cuando vemos la segunda escena más famosa (que en este caso me parece que fue inspirada por el final de "La cruz de hierro"). Florya comienza a disparar y descargar su odio en un retrato de Adolf Hitler. Mientras oímos musica de Wagner, cada disparo nos retrocede algo en la historia simbolizando su destrucción: La última imagen de Hitler, la IIGM, una concentración nazi, Hitler durante la IGM, Hitler en su niñez, y Hitler siendo un bebe en brazos de su madre. En ese momento Florya deja de disparar porque no puede matar a un niño, aunque ese niño sea Hitler. En la notable secuencia final Florya vuelve a unirse a la columna de partisanos que van desapareciendo entre la frondosidad de un bosque ruso mientras oimos la Lacrimosa de Mozart. Simultáneamente en la pantalla se nos informa que 628 aldeas de Bielorrusias fueron masacradas por los alemanes.

A pesar de los indudables méritos históricos y cinematográficos, "Masacre: ven y mira" se está quedando convertida en una obra para curiosos y fans del cine bélico. En mi opinión, eso es debido por un lado a su larga duración (casi dos horas y media) y por otro porque está realizada "a la rusa". Es decir, inumerables momentos de secuencias largas y sin diálogos o repetición de primeros planos del rostro de Florya para intentar comunicarnos el horror que siente. La primera vez que la ves te impacta pero se te hace algo lenta. La segunda vez que la ves, tienes que utilizar la tecla "fast forward" para no aburrirte con la primera y segunda parte.

Notable película, pero muy deprimente.

La crítica de Von Kleist.

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• Parte 1: Juegos de niños
• Parte 2: Campamento partisano
• Parte 3: Salida para la incursión
• Parte 4: Paracaidistas alemanes
• Parte 5: Aldea abandonada
• Parte 6: Refugiados
• Parte 7: Hitler de barro
• Parte 8: Panfletos
• Parte 9: Vacas y balas trazadoras
• Parte 10a: Llegada a Perekhody
• Parte 10b: Perekhody (subtítulos en inglés)
• Parte 10c: Perekhody (subtítulos en inglés)
• Parte 11a: Incendio de la iglesia (subtítulos en ingles)
• Parte 11b: Incendio de la iglesia
• Parte 12: Emboscada
• Parte 13: Venganza
• Parte 14: Disparando al retrato de Hitler
  

Ella defiende la Madre Patria (Ona zashchishchayet rodinu, Она Защищает Родину)

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Al buscar en la IMDB la referencia a la película anterior me encontré con "Ona zashchishchayet rodinu" que podría traducirse como "Ella defiende la Madre Patria". Me llamó la atención que había sido producida en 1943, es decir, se trataba de una película de propaganda soviética realizada en plena Segunda Guerra Mundial. Por curiosidad intenté buscarla subtitulada, pero desgraciadamente sólo está en idioma ruso. Sin embargo, durante la búsqueda encontré un ensayo sobre el cine soviético dedicado a la "Gran Guerra Patriótica" en la que definían a "Ona zashchishchayet rodinu" como el canon de las películas de propaganda realizadas durante la guerra.

En el ensayo se resume bastante bien la película por lo que es muy fácil seguirla a pesar de que se desconozca el idioma ruso. De hecho esta entrada es a su vez un resumen de dicho ensayo. La historia del director Fridrikh Ermler es simple y efectiva: Praskovia "Pasha" Ivanovna vive feliz con su familia. Llega la invasión alemana y su marido es llamado a filas. Pero los alemanes son imparables y el pueblo debe de ser abandonado (atentos al detalle de dejar subir a la anciana con el icono religioso). Durante la evacuación del pueblo los heridos del frente llegan a la pequeña población y entre ellos encontrará a su marido moribundo. Desgraciadamente para ella los alemanes entran en el pueblo antes de que pueda escapar con su hijo de 2 años. Como era de esperar los alemanes se comportan como un Einsatzgruppen y comienzan a destruir el poblado y a masacrar a los habitantes. Un oficial alemán con parche en el ojo y que haría parecer a Von Stroheim como una hermanita de la caridad, mata al hijo de Pasha.

En la siguiente escena vemos Pasha vagar como un zombie por los bosques. No se nos cuenta como se ha salvado aunque se insinúa que la han violado. En ese estado llega a un campamento de refugiados. Allí Pasha se viste de luto negro y sufre su metamorfosis de alegre joven esposa a una "Rodina" vengadora que liderará a los campesinos en un ataque contra un pequeño destacamento alemán. Sus palabras para animar a la gente a seguirla son: "¡No corráis! ¡Matadlos! ¡Matad a las bestias!". Ciertamente no le falta razón.

La escena de la emboscada es muy notable. Primero por la crudeza y realismo de la secuencia. En ella Pasha ataca a un alemán blandiendo un hacha con una furia que parece sacada del famoso grabado de Goya: "Y son fieras". Algo me dice que los directores rusos se inspiraron en esos famosos grabados para representar las atrocidades nazis. Segundo porque el destacamento alemán es hipomóvil por lo que hay que aplaudir el detalle histórico ya que generalmente se suele representar en las películas a los alemanes motorizados cuando lo normal era el uso de caballos para el transporte. Tercero, vuelve a haber una referencia religiosa muy llamativa cuando uno de los nazis mata a un anciano y éste dice sus últimas palabras- Que Dios te perdone. Posteriormente se le enterrará bajo una cruz. Está claro que en 1943 el régimen soviético necesitaba toda la ayuda posible, sin importar si esta era divina o humana.

De esta forma Pasha se transforma en la "Camarada P", líder de una banda de partisanos que rápidamente comienza a hacer inseguras las posiciones de los nazis en la retaguardia. La "Camarada P" no mostrará ningún remordimiento ni compasión con los alemanes ni con aquellos rusos con sentimientos derrotistas o colaboracionistas. En la secuencia posterior al ataque sobre el destacamento alemán, los supervivientes piensan que se acaban de convertir en partisanos y que serán perseguidos por los alemanes. Uno de ellos murmura una serie de quejas en las que dice (traducido del inglés): "En situaciones como esta lo que hay que hacer es crear un comité y discutir la situación....No hay pan, no hay comida... No digo que vaya a ser agradable estar sometidos a los nazis, pero estamos acostumbrados a eso... ¿Has visto colgar a alguien?... Quizás algún comunista o algún judío...Ya tengo bastante de este podrido paraíso proletario". El que ha hablado se levanta y se va. Pasha no lo duda ni un instante y le mata allí mismo de una ráfaga por la espalda. Al volver a sentarse dice: "Mientras sigamos vivos, lucharemos". Así el grupo de partisanos de la "Camarada P" llevaran a cabo diversas acciones de sabotaje intrépidas y arriesgadas entre las que está secuestrar a un general alemán. Entre las tropas alemanas que son enviadas en su búsqueda, Pasha se volverá a encontrar con el oficial alemán que mató a su hijo y cumplirá su justa venganza.

Pasha, en su papel de encarnación de la Rodina vengadora debe de permanecer pura y completamente dedicada a la expulsión del invasor. Así que para aligerar algo el dramatismo de la película hay un romance entre dos actores secundarios que cumplen con el estereotipo de jovencitos enamorados que hacen manitas mientras realizan actos de sabotaje. Es bastante llamativo como se muestra que el joven quiere tener relaciones sexuales pero ella quiere que antes contraigan matrimonio. La "ceremonia" será celebrada por Pasha como era de esperar y el "regalo de bodas" es el general capturado. Posteriormente la chica servirá como cebo sexual para distraer a un lujurioso centinela alemán.

De todas formas la película, englobada dentro del movimiento del "socialismo realista soviético", no llega a gran obra cinematográfica. Y no es porque los efectos especiales sean bastante cutrecillos (a los aviones se les ven los hilos) o la trama simplona. Fundamentalmente es porque está llena de clichés mal hechos (Ermler no es Eisenstein). No se queda simplemente en que los rusos sean los buenos y los alemanes los malos. Es que los malvados, lascivos y diabólicos nazis alemanes son francamente ridículos. Sólo hay que ver al oficial tuerto que mata al hijo de Pasha para dejar de tomarse en serio la escena de dicho asesinato a pesar de lo cruel que es. Lo mismo pasa con el general alemán con su monóculo y su bastón. Sin embargo hay que comprender que es el mismo error que cometen muchas otras películas del género bélico propagandístico sin importar la nacionalidad de la producción. Verbigracia, los japoneses retratados por los norteamericanos en películas de la misma época o los norcoreanos de la recientemente comentada "Inchon". El problema de convertir en caricaturas a los criminales es que dejas de tomarles en serio.

Resumiendo. Digna de verse como ejemplo de lo que eran las películas de propaganda soviéticas durante la IIGM y nada más.

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Días de Gloria (Days of Glory)

"Días de Gloria" ocupa un lugar en la historia del Cine por ser la primera cinta protagonizada por Gregory Peck. Sin embargo no es muy conocida en España porque fue censurada durante la dictadura de Franco. El motivo: los comunistas eran los buenos.

“Días de gloria” es una típica y tópica película de propaganda de la IIGM realizada en Hollywood. Pero a diferencia de otras producciones, la cinta está ambientada en la URSS. Se nos relata las vicisitudes de un grupo de partisanos rusos tras las líneas alemanas en el primer año de la invasión de Rusia (como bien me ha apuntado Kleist, en plena operación Tifón cerca del sector de la ciudad de Tula). Su líder es el frío y taciturno Vladimir (Gregory Peck). Antes de la guerra era un ingeniero orgulloso de sus obras, ahora es un vengador lleno de odio. El grupo de partisanos está compuesto por obreros y campesinos que se han visto obligados a cambiar sus herramientas por los fusiles. Pero a ellos llegan también gentes de la ciudad, entre ellos la bailarina Nina (Tamara Toumanova) con la que Peck iniciará un romance.

En la cinta se nos mostraran las tribulaciones de la población rusa a manos de los invasores nazis en forma de saqueos y de ejecuciones sumarias como la del ahorcamiento del joven Mytia. En mi opinión el director Jacques Tourneur se inspiró en alguna de las litografias de Goya sobre "Los desastres de la Guerra" para alguna de las escenas. Otra cosa curiosa es que no hay ninguna referencia a regimen despótico de Stalin y si aparecen cuadros con iconos rusos, aunque está claro desde el principio que estamos en la Rusia soviética. Pero está claro que en 1944 la Guerra Fría aun estaba lejos y los "commies" eran aliados y no enemigos.

A lo largo de la película los partisanos hacen lo que se supone que deben de hacer. Emboscadas, voladuras de trenes, etc. Pero finalmente, los diferentes grupos partisanos son requeridos para realizar un papel esencial durante la prevista contraofensiva soviética. Su labor será amenazar la base principal de suministros para los nazis divirtiendo tropas y recursos del frente para así debilitarlo.

Hay dos cosas destacables de la película. La primera es la actuación de Peck en un papel que se volverá a repetir en su carrera. En un determinado momento el grupo toma prisionero a un alemán y cuando Vladimir lo ve, intenta matarlo el mismo a culatazos mientras en su rostro se refleja un odio visceral. Ese toque despiadado volveremos a verlo en películas posteriores como “Almas en la hoguera”, “Moby Dick” o “Los niños del Brasil”.

La segunda son las escenas finales de la película, cuando el grupo partisano consigue distraer al principio y luego aguantar en su refugio el ataque de los tanques alemanes. Aunque se note que son tanques americanos en el sistema de suspensión, al menos están bastante bien caracterizados como Panzers-IV. Asimismo, es meritoria la secuencia final en la que Peck intenta contenerlos utilizando un fusil antitanque asistido por Nina que le sirve la munición al mismo tiempo que presta juramento como soldado de la URSS.

Para ser una película de propaganda es bastante decente.

la crítica de Von Kleist

Tener y no tener (To have and have not)

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Últimamente es bastante común encontrarse en diversos blogs y artículos sobre el cine actual, opiniones sobre la sobreabundancia de secuelas, precuelas y remakes de películas y que eso demuestra la falta de imaginación de los guionistas de Hollywood. Yo mismo me he lamentado más de una vez sobre ese tema.

Sin embargo lo de hacer una secuela después de un gran éxito no es algo tan nuevo. De hecho es más bien muy antiguo. Lo que ocurre es que generalmente nuestra memoria es selectiva y olvidamos las malas secuelas, mientras que las buenas las consideramos otra película independiente de aquella que la originó.

Un ejemplo de película que originó un gran número de secuelas es "Casablanca". Desde su estreno son numerosas las películas que inspiró. Desde una especie de remake con casi todo el elenco de actores originales en la cinta "Pasaje a Marsella", hasta comedias como "Una noche en Casablanca" o "Sueños de seductor". La adaptación más reciente ha sido el fiasco "El buen alemán".

Personalmente creo que la mejor secuela fue la película "Tener y no tener". Se trata de una adaptación de una novela de Hemingway que trataba del tráfico de inmigrantes ilegales. En palabras del propio Hemingway la historia era un montón de basura, pero Howard Hawks vio que podría adaptarla aprovechando el éxito de "Casablanca". Aquí en lugar de el Norte de Africa nos encontramos en la Martinica francesa bajo el régimen de Vichy. Y en lugar de inmigrantes tenemos refugiados políticos. Bogart interpreta al patrón de un barco de recreo para la pesca del pez espada. Debido a la guerra su negocio se está yendo al garete. Así que decide ganarse un sobresueldo alquilando su barco a la Resistencia francesa para que un grupo de refugiados pueda escapar del régimen colaboracionista. Con un guión tan simple, Hawks consiguió filmar una buena historia gracias a varios factores. El primero es que era un buen director. El segundo es que contaba con buenos actores, tanto principales como secundarios (a destacar "Eddie, el borrachín entrañable" interpretado por Walter Brennan). Y el tercero es que acaba de forma diferente que "Casablanca".

Pero eso no basta para que una secuela de un éxito se convierta en una gran obra cinematográfica. "Tener y no tener" brilla con luz propia gracias a un factor. Es famosa porque en esta película Bogart y la Bacall iniciaron su largo romance y la química de su relación se transmitió enteramente al celuloide. Creo que toda esa magia puede resumirse en la siguiente escena:

You know how to whistle? Don't you Steve? You just put your lips together and... blow.

Que por cierto, fue parodiada en un corto animado de la Warner Bros titulado "Bacall to arms" y que dejo insertada como regalo de Reyes.

Ojalá todas las secuelas fueran como "Tener y no tener".

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Casablanca

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Si hay una demostración palpable de que los milagros existen esa demostración es la mítica película "Casablanca".

Todo aquel que ha leído algo sobre esta película sabe que es en gran parte producto del azar. Los actores secundarios eran grandes actores europeos exiliados por causa de la guerra por lo que no tenían que interpretar algo que les estaba pasando. El guión se escribía sobre la marcha. El final fue rodado casi por casualidad. Estoy convencido que si esta situación volviese a darse, el resultado habría sido completamente distinto. Cuando leí por primera vez como se gestó y desarrolló dicha película lo primero que vino a mi cabeza es el famoso cuento del mono y la maquina de escribir. Se dice que si dejamos a ambos suficiente tiempo y papel, al final por puro azar el mono escribirá una obra maestra como “El Quijote” (para los anglosajones es “Romeo y Julieta”). Con “Casablanca” en lugar de una maquina de escribir tenemos una cámara, y en lugar de mono a un grupo de personas que sin proponérselo dieron lo mejor de si para conseguir esta joya. Por eso creo en los milagros.

Recientemente se ha celebrado el 65 aniversario del estreno de este mito. En realidad dicho estreno estaba planificado para 1943, pero se dio la paradoja de que por una vez la guerra hizo propaganda de una película. La toma de dicha ciudad por las tropas estadounidenses provocó que dicho estreno se adelantara casi un año para aprovechar la publicidad que dicho acontecimiento provocó. Por si no bastaba, la celebración de la Conferencia de Casablanca dio mucha más publicidad aún. Poco nuevo se puede escribir sobre una película que está considerada como la quinta esencia del CINE. Contiene todos los ingredientes que se convierten en magia en una pantalla de proyección: amor, guerra, traición, aventura, sacrificio, espías, contrabandistas, malos, buenos, aprovechados, música y por encima de todo, esperanza en un mundo mejor.

Muchos vieron en el papel de Bogart un resumen de la actitud norteamericana ante la IIGM. Inicialmente vemos a un Bogart ilusionado, luego despechado y finalmente comprometido una vez más en la lucha por la libertad. También son muchos los que ven reflejada la actitud de Francia en el papel del Capitán Renault interpretado por Claude Rains. En primer lugar un colaboracionista aprovechado dotado de una gran ambigüedad pero que acabará definiéndose como un resistente más. Lo cierto es que a mi me recuerda mucho a las negociaciones que tuvieron que llevar a cabo los aliados con el Almirante Darlan antes de poner un pie en África del Norte.

En el aspecto histórico la película tiene un error bastante curioso. En una escena, Peter Lorre asegura que tiene unos salvoconductos firmados por De Gaulle. Evidentemente eso es totalmente contradictorio con la situación. Si Lorre hubiera dispuesto de dicho salvoconducto habría sido arrestado inmediatamente por el régimen de Vichy. Tampoco es muy creíble que un antinazi como Lazslo se paseé tan tranquilamente por una parte de la Francia de Vichy y mucho menos que presuma ante Strasser que no puede ser arrestado.

"Casablanca" es el melodrama bélico por excelencia. Una vez leí que es la película con más clichés, personajes de culto y citas cinematográficas de la historia. No se si será cierto, pero si no lo es lo parece. Tenemos a la inolvidable pareja formada por Bogart e Ingrid, el heroico e ingenuo resistente Victor Laszlo (V de victoria), el oportunista Renault, el fiel Sam (Dooley Wilson, en realidad no sabía tocar el piano, su instrumento era la batería), el comerciante sin escrúpulos Ferrari (Sydney Greenstreet) que se quedará con el Rick's. El personajillo asustado de Peter Lorre. Y el malo malísimo del Mayor Strasser interpretado por el exiliado alemán Conrad Veidt.

En cuanto a las citas. Hay seis que están en la lista de las 100 frases más famosas de la historia del cine. Estes seis son

- "Here's looking at you, kid" (5º puesto)

- "Louis, I think this is the beginning of a beautiful friendship" (20º puesto)

- "Play it, Sam. Play 'As Time Goes By'" (28º puesto),

- "Round up the usual suspects" (32º puesto)

- "We'll always have Paris" (43º puesto)

- "Of all the gin joints in all the towns in all the world, she walks into mine" (67º puesto).

Curiosamente, la famosa frase "Play it again, Sam" ("Tócala otra vez, Sam") no aparece en el film. Es una cita errónea de la tercera frase de la lista.


You must remember this...

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El Tren (The Train)

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"El tren" es casi con total seguridad la mejor película sobre el tema del expolio durante la Segunda Guerra Mundial.

Está basado en el libro "Le front de l'Art" de Rose Vallard pero la historia que veremos en la cinta es completamente distinta a la que ocurrió. Rose Vallard era la responsable del museo Jeu de Paume. En ese lugar se almacenaban las obras de arte que los alemanes habían saqueado de los museos y de las colecciones privadas de Francia antes de su traslado a Alemania. Hermann Goering lo visitó el 3 de mayo de 1941 y el personalmente escogió algunas obras para su colección privada. Rose Vallard catalogó en secreto las obras saqueadas, apuntando el origen de la misma, cuando se realizaría su transporte por tren y a ser posible su destino en Alemania. La información obtenida era pasada a la Resistencia para así evitar que los trenes fueran atacados, bien por los resistentes o por la aviación aliada, y su contenido destruido. Rose Vallard llegó a catalogar unas 20.000 obras expoliadas por los alemanes durante los cuatro años de ocupación. Después de la guerra formó parte de la Comisión para la Recuperación Artística y testificó durante los Juicios de Nuremberg.

Frankenheimer realizó una película que constantemente nos emplaza a posicionarnos en el siguiente debate: ¿Qué es más importante, una vida humana o una obra de arte? A lo largo de la película veremos que hay personas que deciden que es más importante la obra de arte que su propia vida, pero otros decidirán que es más importante las obras de arte que la vida de los demás.

El comienzo de la película es realmente impactante. En la noche del 2 de agosto de 1944 el coronel von Waldheim (Paul Scofield) llegá al museo Jeu de Paume. Como ya se ha indicado y al contrario de lo que sucedió en realidad, se nos muestra que todo el botín artístico ha estado almacenado en el museo durante toda la ocupación. París está a punto de caer en manos aliadas y Waldheim llega para supervisar personalmente el traslado de la colección hacia Alemania. En una estupenda secuencia en la que los cuadros de Renoir, Gaugin, Picasso y muchos otros famosos artistas, son embalados en cajas vemos simultáneamente sobreimpresionados los títulos de crédito.

Mademoiselle Villard, la responsable francesa de la colección notifica a la resistencia el expolio y les implora que eviten que dichas obras salgan de Francia, o al menos eviten su destrucción. Esta escena en que Mademoiselle Villard intenta convencer a la Resistencia del valor de las pinturas es realmente buena. Por un lado tenemos a Paul Labiche (Burt Lancaster) un inspector ferroviario reacio a arriesgar la vida de sus escasos hombres por unas pinturas, y por otro a Mademoiselle Villard intentando hacerles ver que esas pinturas es algo por lo que merece la pena morir pues si los alemanes se las consiguen llevar habrán robado "la belleza creada aquí, nacida en Francia". Pero Burt no se deja convencer.

El destino de las obras parece ser Alemania hasta que la decisión de un hombre interfiere. El maquinista del tren encargado del transporte es un veterano llamado Papá Boule (Michel Simon). Para él lo más importante es su locomotora y que el tren que guíe tenga una misión de alto rango como llevar municiones al frente. Antes de partir tiene una conversación con un jefe de estación que le dice lo que lleva el tren que conducirá hacia Alemania. Aunque en su opinión el tren está cargado de champán y perfumes, Papá Bolule recuerda que salió con una modelo de Renoir que "olía siempre a pintura". Pero el revisor le dice que esas pinturas son "la gloria de Francia", y el rostro de Boule cambia mientras repite esas palabras.

Papá Boule decide sabotear la locomotora pero es descubierto y ejecutado sumariamente. Esta ejecución hace cambiar de opinión a los miembros de la Resistencia. Los cuadros deben de ser importantes pues alguien como Papá Boule ha dado su vida por ellos y ahora se esforzarán en evitar por todos los medios que el tren llegue a Alemania. No comentaré como lo realizan pero el truco es realmente original y de hecho la idea se ha utilizado en otros films. La película va en un continuo crescendo hasta llegar al duelo final entre Burt Lancaster y Paul Scofield.

Hay varias anécdotas relacionadas con la cinta. El papel de Papá Boule inicialmente era mucho más largo pero debido a que Michael Simon tenía otro contrato, Frankenheimer decidió "ejecutarlo" lo antes posible (su personaje sólo está presente durante 10 minutos en una cinta de 2 horas). Otra es que Burt Lancaster, famoso por hacer él mismo las secuencias peligrosas, se lesionó la rodilla durante un partido de golf a mitad de rodaje, así que el personaje de Labiche fue herido en la pierna para explicar la cojera.

Como en otras películas bélicas, Frankenheimer utilizó el rodaje en blanco y negro para transmitir la idea del tono documental de la Segunda Guerra Mundial. Para los frikis de la historia de la 2GM como yo, hay un divertido error cuando se habla de que Von Rundstedt está al frente de las fuerzas alemanas. En esa época Rundstedt había sido apartado del mando y sustituido por Von Kluge. En cuanto a la ambientación en líneas generales es más que aceptable aunque mucho del material pesado que vemos es material militar norteamericano. En diversas escenas podemos distinguir tanquetas M8, tanques Chaffee, half-tracks e incluso un cañón de 155 mm. Dentro de este apartado hay que destacar la memorable secuencia del bombardeo sobre la estación donde está el impresionante tren blindado alemán. Para dicha secuencia se utilizó una zona en la que los edificios iban a ser demolidos. Al parecer se tardó casi un mes en disponer las cargas. Y la secuencia sólo dura un par de minutos.

Finalmente, la mayor parte del presupuesto se gastó en trenes. El tren con las obras de arte es el tren que usaba el equipo de producción para llevar el material de una localidad a otra. Y el choque de trenes es totalmente auténtico. Como era una sola toma se utilizaron siete cámaras para filmarlo, de las cuales dos quedaron destruidas.

Una verdadera obra de arte.

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Actores del cine bélico: Wolgang Preiss

La crítica de Von Kleist

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• Ataque aéreo al tren
• Choque de trenes
• Duelo final

Siete hombres al amanecer (Operation Daybreak)

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"Siete hombres al amanecer" está basada en la Operación Antropoide. En dicha operación un grupo de soldados checoslovacos fueron entrenados para acabar con la vida de uno de los principales jerarcas nazis: el infame Reinhard Heydrich. Que se sepa es la única operación de la IIGM diseñada por los aliados para eliminar a un alto jerarca nazi. Se cree que la decisión británica de eliminar a Heydrich fue tomada para favorecer al Almirante Canaris. De hecho se piensa que él mismo pasó información crucial a los aliados para la organización del atentado.

Si se comparaba con el resto de los altos mandatarios nazis, Heydrich era el que más destacaba. Sin duda era el más inteligente y culto. En 1931 se unió al partido nazi tras ser reclutado por Himmler como responsable de contrainteligencia dentro de las recién formadas SS. En 1936 era responsable de la RSHA (Oficina Principal de Seguridad del Reich) que estaba compuesta por la SD y la Gestapo. En 1938 se le hizo responsable de la Oficina Central para la Emigración Judía, lugar desde donde se llevaría a cabo la política que culminaría en el Holocausto Judío. En 1941 fue nombrado Reichsprotektor de Bohemia y Moravia. Bajo su mando la resistencia checa prácticamente desapareció debido a sus crueles represalias (Se le apodó el Carnicero de Praga). Durante una fiesta se atrevió a ceñirse la corona de los reyes de Bohemia. La leyenda decía que quien no fuera digno de ceñirla moriría al cabo de un año (algo parecido a nuestro Fernando IV, el Emplazado). Las responsabilidades y el poder de Heydrich eran cada vez mayores y muchos le veían como el sucesor de Hitler. Un sucesor muchísimo más peligroso.

En 1941 el MI5 reclutó a siete soldados checoslovacos que fueron lanzados en paracaídas sobre su patria ocupada en tres grupos. El primero de ellos estaba formado por Jozef Gabčík, Jan Kubiš. En otro de los grupos estaba Karel Čurda (en la película los tres son lanzados en el mismo grupo). Tras tomar contacto con la resistencia, inmediatamente comenzaron a planear el atentado. Una de las intentonas fue disparar a Heydrich cuando este realizaba un viaje en tren, pero fracasó. Además, las medidas de protección de Heydrich eran bastante buenas, por lo que se llegó a la conclusión que el atentado debería ser suicida si se buscaba el éxito. Finalmente todo estuvo dispuesto para el intento. Sería el 27 de mayo de 1942. El lugar elegido fue la esquina cercana al Hospital Bulovka porque en ese punto el convoy se veía obligado a frenar. Y como dice el viejo dicho, la fortuna favorece a los audaces. Ese día Heydrich se separó de su escolta: un coche blindado y un camión lleno de tropas, por lo que el Mercedes descapotable que le transportaba llegó en solitario a la esquina. Gabčík hizo frenar al vehículo parándose en medio de la carretera y apretó el gatillo de su Sten, pero esta se encasquilló (nada extraño en ese arma). El chofer de Heidrich se bajó y comenzó a perseguir al asaltante, aunque posteriormente fue abatido por Gabčík. Heydrich permaneció en el vehículo y Kubiš aprovechó para lanzar una granada al coche hiriendo a Heydrich. Debido a la explosión, fragmentos de la tapicería de piel de caballo del vehículo se introdujeron en su cuerpo. Aunque Heydrich fue socorrido y llevado al cercano hospital, no se dejó a los médicos checos ni a los de la Wehrmacht intervenirle por orden expresa de Himmler que mandó a su propio médico para ello. Pero el retrasó causó que los fragmentos de tapicería provocaran una infección que evolucionó en una septicemia (hay rumores de que la granada utilizada llevaba toxina botulínica, pero me parecen bastante increíbles). Heydrich murió tras once días, cuando aun no se había cumplido el año desde que se ciño la corona del rey.

Mientras, los componentes del comando se habían puesto a salvo ocultándose en la Iglesia de Karel Boromejsky. Los alemanes fueron completamente cogidos por sorpresa pero para demostrar ante el mundo que no estaban tan despistados como parecía tomaron brutales represalias (se calcula en más de 10.000 el total de represaliados) en especial sobre el pueblo de Lídice. El 10 de junio tropas alemanas alo rodearon. Todos los varones mayores de 16 años fueron fusilados y las mujeres y los niños deportados. El pueblo fue completamente demolido y borrado de los mapas del Tercer Reich. Los alemanes filmaron la destrucción completa de dicho pueblo como escarmiento. Hasta la derrota nazi no fue nuevamente reconstruido.

Pero los alemanes seguían sin tener ninguna pista fiable y ofrecieron una recompensa de 1 millón de marcos (10 millones de coronas) por cualquier información. Karel Čurda entonces decidió traicionar a sus compañeros (en la película lo hace por su mujer y su hijo, pero parece ser que no fue así pues se posteriormente con una alemana) y descubrir donde se ocultaban. Los alemanes rodearon la iglesia y la asaltaron, pero sus ocupantes se defendieron con fiereza causando numerosas bajas. Fueron tantas que se vieron obligados a inundar la cripta donde se habían refugiado los últimos componentes del comando. Estos se mataron mutuamente para evitar caer prisioneros. Todos los sacerdotes de la iglesia, incluido el obispo Gorazd, fueron ejecutados en represalia. El traidor Karel Čurda fue posteriormente ejecutado por los checos tras la IIGM.

Es de destacar que la ambientación, vehículos (sobretodo los SdKfz) y uniformes alemanes están bastante bien. Tiene un par de errores como el hecho de que se vean Tanques Tiger durante la destrucción de Lídice (Prefiero pensar que son Panzer-IV mal hechos). Otro es que los comandos checos salgan con un bazooka, arma que aún se estaba fabricando en 1942 por lo que sería muy raro de que dispusieran de una.

“Siete hombres al amanecer” no es la única película dedicada al tema del asesinato de Heydrich. Anteriormente se realizó “Los verdugos también mueren” de Fritz Lang y con guión de Bertolt Brecht, pero esta se centra más en lo que ocurre a uno de los comandos después del asesinato de Heydrich y es más ficticia. En cuanto a la obra que nos ocupa, en líneas generales es una buena película, aunque quizás un poco larga.