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miércoles, 31 de agosto de 2011

Pánico en la escena (Stage fright, 1950)




Esta es una de las películas menos conocidas del realizador británico. La verdad es que tampoco es de las mejores, siendo sinceros, y ni siquiera el propio Hitchcock acabó contento con el resultado final y con algunos de los intérpretes.

Alfred Hitchcock la definió algo así como una pequeña película policíaca dentro la tradición inglesa, tipo Agatha Christie. Sin embargo, el director tenía ganas de rodar una película que estuviera enmarcada dentro del mundo del teatro y cuya protagonista fuera una principiante o estudiante de escena y que su primer papel no fuera el de actriz principal en una obra sino, en su propia vida.





En la foto, el esperado cameo de Hitchcock en Stage fright.



"Se preguntará usted por qué decidí hacer esta historia. Hacía poco tiempo que había salido el libro y varios críticos literarios habían observado en sus comentarios: 'Esta novela serviría como base para un buen film de Hitchcock.'Y yo como un buen idiota, les tomé la palabra." Alfred Hitchcock.






Un joven (interpretado por Richard Todd) es buscado por la policía por asesinato, concretamente se la acusa de matar al marido de su amante. Para escapar, se refugia en la casa de su amiga Eve (Jane Wyman), quien está perdidamente enamorada de él. Sin embargo, a ella le confiesa que el auténtico asesino es la reputada actriz teatral Charlotte Inwood (Marlene Dietrich). Tras esto se refugian en la casa del padre de Eve (Alastair Sim).
La joven enamorada comenzará a investigar por su cuenta y para ello se meterá en el servicio de la madura actriz, pero no cuenta con la aparición del inspector Smith (Michael Wilding), encargado de llevar el caso y que a su vez, se enamorará de la joven actriz...





En la imagen, Marlene Dietrich y Richard Tood.



Respecto al reparto, el propio Hitchcock confesó años más tarde que el personaje que menos le gustó fue el personaje interpretado por Alastair Sim, el excéntrico padre de Eve: "no me gustó ni el personaje ni el actor." Pero el director también dijo que ese era un problema de rodar en Inglaterra, los localismos, pues le dijeron "es uno de los nuestros, debes darle un papel en una película."

Tampoco le gustó trabajar con Jane Wyman, a quien le costó mucho dirigir. Según cuenta, sentía unos celos enormes hacia su compañera de reparto, Marlene Dietrich (curiosamente son las únicas no británicas de la cinta). "Jane Wyman me dio muchos problemas", confesó el director. Según cuenta, cada vez que la actriz iba a la sala de proyecciones se comparaba con Dietrich y salía llorando; "Marlene estaba realmente guapa" (palabras del director, aunque yo también lo pienso) y Jane Wyman se arreglaba cada día más para ser más guapa que la alemana, y eso es justo lo contrario que requería el personaje.





Dos fotos en las que vemos la belleza y la elegancia de una madura Marlene Dietrich.





Pero lo cierto es que los celos de Jane Wyman hacia Marlene Dietrich comenzaron cuando se anunció que el vestuario del film sería diseñado por la casa de modas francesa Christian Dior... sin embargo, solamente estaban interesados en vestir a la diva alemana, que por aquella época ya era considerada una de las mujeres más elegantes, glamourosas y estilosas del mundo. O también porque el director se mostraba más amable con la rubia que con la morena... creo que esta es la única película del director en la que quien sufrió sus manías fue la morena y no la rubia.

Puede Hitchcock usara esa enemistad para beneficio de la película, ya que los personajes (sobre todo la joven Eve) requerían esa distancia y esos recelos.





¿Cuál era la opinión de Alfred Hitchcock sobre su obra?

"(...) contamos una historia en la que los malos son los que tiene miedo. Es la gran debilidad del film, y que va contra la regla: cuanto más logrado sea el retrato del malo, más lograda será la película. He ahí la gran regla fundamental. En esta película, el retrato del malo no estaba conseguido."




Hitchcock dirigiendo a Marlene Dietrich.



Hasta la próxima entrada corazones.

sábado, 4 de junio de 2011

Universum Film AG. La UFA




Este conglomerado de industrias cinematográficas alemanas fue uno de los más poderosos de su tiempo, llegando en ocasiones a hacer sombra a las producciones norteamericanas de la época debido a la alta calidad de sus directores, guionistas e intérpretes (de echo, puede decirse que funcionó como escaparate idóneo para promocionarse en Hollywood), así como por la calidad de su técnica y estilo.

El período de máximo apogeo sería el de la República de Weimar, a lo largo de la década de los años 20, cayendo en los años 30 en las garras del fascismo alemán, que lo convirtió en un instrumento de propaganda Nazi.




Cartel de la película El gabinete del doctor Caligari, 1920. Esta es, quizá, la película más emblemática del estudio.





Creada el 18 de diciembre de 1917 en Berlín como un consorcio entre varias empresas (como las grandes Nordisk y Decla.), pero liderado por el entonces presidente del Deutschen Bank, Emil Georg von Strauss, como una respuesta ante la llegada de material de propaganda extranjero. Así fue como el Ministerio de Guerra y el gabinete del Gobierno Imperial (y la entidad arriba mencionada) pusieron un gran capital encima de la mesa para crear su correspondiente máquina propagandística y de servicio público en el ocaso ya de la I Guerra Mundial.

Una vez finalizada la Gran Guerra se dedicó de lleno a la producción de películas, y en 1921 fue privatizada. A partir de ese momento, comenzó la que sería la época de mayor esplendor en el cine europeo, con cerca de 500 películas al año y cerca del millón y medio de espectadores diarios. Desde ese instante su reputación creció como la espuma llegando a hacer sombra a muchas producciones norteamericanas. Por otra parte, desde Hollywood no tendrían mas remedio que reconocer el mérito alemán al adaptar muchas de las películas filmadas en el país germano.

Sin embargo, los problemas acarreados en la economía tras la I Guerra Mundial comenzaron a hacerse aún más visibles en 1923, cuando la estabilización de la moneda hizo que las ventas externas se estancaran y los márgenes de beneficio se redujeran drásticamente. Hollywood supo aprovecharse muy bien este momento de flaqueza de su más directo competidor (en algunos países europeos, como Austria, Francia o Suecia los films alemanes recaudaban más en taquilla que los norteamericanos) estableciendo una serie de acuerdos comerciales y financieros, especialmente Paramount y Metro Goldwyn Mayer en 1925. A ello ayudó el que películas como Los Nibelungos (La muerte de Sigfrido y La venganza de Krimilda) y Metrópolis (ambas de Fritz Lang), resultaron muy costosas, lo que hizo hundir aún más en el pozo al estudio (Metrópolis costó 5 millones de marcos que no se recuperaron en taquilla).






(Fotogramas de la película Los Nibelungos, Die Nibelungen, 1924; abajo cartel de la grandiosa Metrópolis, 1926. Ambas del maestro Fritz Lang).



Es en estos momentos cuando el magnate Alfred Hugenberg (propietario del Grupo Scherl, un gigante de los medios de comunicación) tomó las riendas y compró la compañía al borde de la bancarrota en marzo de 1927. Éste se puso a sí mismo en el puesto que antes ostentaba el presidente del Deustch Bank y como director general de la compañía nombró a Ludwig Klitzsch, Con esto nos metemos en el año 1928 y al nuevo jefe de producción Erich Pommer se le instó para que llevase a cabo la transición del cine mudo al sonoro.





Cartel de la película El Ángel azul, de Josef von Sternberg y protagonizada por Marlene Dietrich. Ésta fue la última película de prestigio y de éxito internacional del estudio. Es sin duda alguna, el estandarte del sonoro europeo.
Abajo, el fotograma más famoso del film.






De todo el material que se produjo a lo largo de la década, sólo se conserva un 10%.

Algunas de las películas más destacadas de esta época son (además de las de arriba mencionadas):




El Dr. Mabuse, de Fritz Lang, 1922.



El último, de F. W. Murnau, 1924.



Tartufo o el hipócrita, de F. W. Murnau, 1925.




Fausto, de F. W. Murnau, 1926.



Un estilo cinematográfico cultivado en esta época por el estudio fue el llamado Bergfilm , dedicado al esquí, alpinismo, escalada, descenso, y al deporte de montaña en general.







¿Cómo es posible que se desprestigiara un estudio que siguió produciendo buenas películas aún cuando estuvo a punto de caer en la bancarrota y que fue capaz de hacer sombra a la apisonadora de Hollywood? la respuesta es simple: porque se convirtió en un vulgar instrumento de los Nazis. Y es que el nuevo jefazo de la UFA, Alfred Hugenberg era simpatizante de la ideología que llevaría al poder a Hitler, de tal forma que en 1933 fue nombrado Ministro de Economía. Y Joseph Goebbels, Ministro de Propaganda, convirtió al prestigioso estudio la voz del führer. A pesar de ello, en este período la UFA obtuvo unos beneficios enormes, ya que sus películas y proyecciones adquirían la totalidad del mercado de todas las zonas ocupadas, llegando a adquirir las instalaciones de productoras cinematográficas francesas.

En 1937 los Nazis tenían el 72% de la UFA, y en 1942 la compañía fue nacionalizada en su totalidad por el Tercer Reich, de tal forma que el estado engulló todas las productoras distribuidoras de cine no sólo de Alemania, sino de todos los territorios ocupados.




Münchhausen, dirigida por Josef von Báky, es un ejemplo de películas rodadas en la UFA durante el nazismo.



Una vez hubo finalizada la II Guerra Mundial la UFA cesó su actividad, pues se vinculaba el nombre del estudio al régimen anterior; tanto es así que, cuando se reeditaban algunos de sus productos se borraba el nombre del estudio de los títulos de crédito.
Por otra parte, el emplazamiento de la UFA se encontraban en la parte soviética del país, por lo que se incorporaron a la parte comunista de Alemania cambiando su nombre por DEFA (Deutsche Film AG) consiguiendo reclutar a muchos de sus antiguos técnicos, actores y directores exiliados durante la época del Terror, continuando así con la antigua tradición, pero nada fue lo mismo.

Con la unificación de las dos Alemanias, DEFA fue disuelta.




¿Qué ocurrió con la UFA tras la caída del social-nacionalismo alemán? En la actualidad se conoce como UFA Film&TV produktion y pertenece desde 1964 a Bertelssman Gruppe, y la empresa encargada de las salas de cine, UFA Konzerns fue vendida a una empresa australiana en 1976.


Para finalizar os dejo unas fotos de las grandes estrellas de la UFA. Hasta la próxima entrada corazones.




Josef von Sternberg, al que únicamente puedo definir como un genio.



Emil Jannings, la estrella más rutilante del estudio. Tuvo el honor de convertirse en el primer actor ganador de un Oscar (gracias a una película de Josef von Sternberg, The last command). Su afinidad con el régimen nazi (aunque algunos creen que solo era por seguir rodadndo en Alemania, pues el cine sonoro y su fuerte acento al hablar inglés le perjudicaron) le permitió seguir trabajando en la UFA, y tras la derrota del régimen y ante la imposibilidad de encontrar trabajo en el cine, se retiró a Austria hasta el día de su muerte.




Ernst Lubitsch. Pues eso, el Mr. Pronto se marcharía a Estados Unidos, pero su legado en Alemania es innegable.




Fritz Lang, sin duda alguna, uno de los grandes y que hubo de exiliarse por sus orígenes judíos.



F. W. Murnau, director de la prestigiosa Amanecer.



Marlene Dietrich. En su época UFA no destacó como lo haría después en Hollywood, sin embargo protagonizó el último éxito internacional del estudio alemán y todo un emblema del "nuevo" cine sonoro, El Ángel azul.



Una arrebatadora y sexy Pola Negri.



P.D: en la actualidad, los derechos de las películas de la UFA los tienen los herederos del gran director Friedrich Wilhelm Murnau.

domingo, 22 de mayo de 2011

Vencedores o vencidos (Judgment at Nuremberg, 1961) y 1ª parte de mis MEME




Han pasado tres años desde que acabó la II Guerra Mundial, y comienza en la alemana ciudad de Nuremberg el juicio contra cuatro magistrados nazis a los que se les imputan los delitos de limpieza étnica y esterilizaciones masivas.

Los personajes principales de esta coral película son:

- Dan Haywood (Spencer Tracy);



- Dr. Ernst Janning (Burt Lancaster);



- Coronel Tad Lawson (Richard Widmark);



- Mrs. Bertholt (Marlene Dietrich);



- Irene Hoffman (Judy Garland);



- Rudolph Petersen (Montgomery Clift);
- Hans Rolfe (Maximiliam Schell).




La película, concebida inicialmente para televisión, se basa en dos puntos fundamentales:

1º La responsabilidad del pueblo alemán en el Holocausto (que se manifiesta cuando todos dicen "nosotros no sabíamos nada" o "¿cómo podíamos saber nosotros lo que hacían?");
2º En la película se recoge el verídico caso Katzenberger (en el film Feldenstein), y en el cual un hombre judío fue condenado a muerte en 1942 por mantener relaciones íntimas con una mujer aria.





Vencedores o vencidos fue una de las grandes protagonistas de la gala de los Oscars de su edición. Acaparaba 11 nominaciones, incluidas mejor película y mejor director, así como la práctica totalidad de su reparto, y resultando ganadora en dos categorías: mejor guión adaptado (Abby Mann) y mejor actor (Maximilian Schell, que como curiosidad cabe decir que fue el que menos cobró).

Respecto a las nominaciones pongo dos pegas: que ni Marlene Dietrich ni Burt Lancaster estuviesen nominados me parece una total falta de sentido artístico; en cuanto a los premios, otras dos: que ni Judy Garland ni Montgomery Clift se alzasen con las estatuillas por sus interpretaciones de reparto.




Una frase: cuando Dan Haywood (Spencer Tracy) pregunta a Mrs. Bertholt (Marlene Dietrich) cuál es la labor del comité en el que está y ella le contesta "Demostrarle al resto del mundo que no todos los alemanes somos unos monstruos"





Curiosidades:

- La película se estrenó el 14 de diciembre del 61 en el Salón del Congreso de Berlín;
- Es la décima mejor película de juicios según el American Film Institute;
- En esta película Marlene Dietrich traduce la canción Lili Marleen (cantada por ella misma) a Spencer Tracy mientras dan un paseo por la ciudad en una de las escenas más conmovedoras y bellas del cine.






Ahora sí. Tras un mes y mucho, mucho pensar, aquí está mi lista:

Mejor comienzo.

Cuando la vi por primera vez, que fue en el colegio, me encantó, pero ahora de mayor se me encoge el corazón. Lo que la voz en off dice, la música, los dibujos en forma de vidrieras que me parece súper original... y sobre todo la frase final ¿quién iba a ser capaz de amar a una bestia?

La Bella y la Bestia, 1991.

http://www.youtube.com/watch?v=-7RQU8LtcA8&feature=related


Mejor final.

Este ha sido uno de los más difíciles. Tenía pensado uno, pero fue posteado por Bruja Truca en su MEME, y para no repetirme he decidido modificar mi lista. El final es para mi lo más importante de una película y muchos, muchísimos que me gustan, pero elijo este: una Olivia de Havilland sabedora de su triunfo deja plantado a Montgomery Clift, gritando desesperado su nombre.

La heredera, 1949.

http://www.youtube.com/watch?v=RvWL4AvGr2c

(No he conseguido el vídeo ni doblado ni subtitulado. Lo realmente importante para este MEME son los dos últimos minutos).


Escena más graciosa.

Cuando instan a Ginger Rogers a que diga algo en sueco y ella dice (en clara alusión a Greta Garbo) "Quiero estar sola". (Lo siento pero no encontré el vídeo).

El mayor y la menor, 1942.




Escena más triste.

Ambos se aman, pero saben que nunca podrán estar juntos: él, un príncipe, ella una mesonera. Durante un tiempo, se ven, charlan, se besan. Pero las obligaciones de Estado hacen que él se tenga que marchar, prometiéndole antes que volverán a verse. Pasa el tiempo y cuando por fin lo consiguen verse es para decirse adiós definitivamente.



El príncipe estudiante, 1927.


Escena más alegre.

Ver a estos cuatro recorriendo el camino de baldosas amarillas, cantando y bailando, me da un buen rollo tremendo.



El Mago de Oz, 1939.


Escena más agridulce.




Rebeca (Victoria Abril): (...) Cuando te echaba de menos iba a verle a él, porque me recordaba a ti...
Becky del Páramo (Marisa Paredes): Hija mía perdóname por esta ausencia tan larga. no tengo ningún pretexto y no me quiero quitar la culpa (...). Tú, ¿me quieres todavía?
Rebeca (Victoria Abril): Yo te quiero mucho mamá...
Becky del Páramo (Marisa Paredes): Tenía miedo de que me odiaras...
Rebeca (Victoria Abril): A veces también te odié, pero incluso en esos momentos, no dejaba de quererte.




Tacones lejanos, 1991.


Mejor escena musical.

Porque ella lo vale. Y porque verla enfundada en un traje de flamenca me volvió loco.


http://www.youtube.com/watch?v=KbV1WBrYQIA


El demonio es una mujer, 1935.



Mejor escena musical con baile.

¿Gene Kelly y Rita Hayworth? OMG!!!

http://www.youtube.com/watch?v=yyxEHgb6KvQ&feature=related

Las modelos, 1944.



Mejor discurso.

La sentencia de Spencer Tracy en el juicio de la peli que os reseño arriba.


http://www.youtube.com/watch?v=hKqsT4xZDmE

(Me refiero a lo que dice Spencer Tracy en relación a la película y el argumento de la misma, nada de interpretaciones partidistas a conveniencia de la ideología que cada cual libremente tenga, lo digo por los comentarios del youtube en relación al vídeo).


Vencedores o vencidos, 1961.



Clímax.

El beso más apasionado y famoso del cine.










De aquí a la eternidad, 1953.



Romántica.

"Cierto como el Sol, que nos da calor. No hay mayor verdad, la belleza está, en el interior."

http://www.youtube.com/watch?v=c3eBXf2vwXo&feature=grec_index

La Bella y la Bestia, 1991.



Dejo la 2º entrega para la próxima entrada, pues en mi nuevo ecosistema no dispongo de internet y ahora lo tengo de prestado!!!


Hasta la próxima entrada corazones.