La Temporada

La temporada social o, simplemente, Temporada (en inglés, The Season), es el término por el que se ha referido históricamente al período anual en que es habitual para los miembros de la élite asistir a una serie de fiestas, bailes de debutantes, cenas de gala y grandes eventos de caridad. También es el momento apropiado para residir en la ciudad antes que en el campo, con el fin de asistir a tales eventos.

La Temporada en Londres

La temporada social londinense se desarrolló en los siglos XVII y XVIII y en su forma tradicional alcanzó su punto máximo en el siglo XIX. En esta era, la elite británica estaba dominada por las familias de la aristocracia y la nobleza menor terrateniente, quienes generalmente consideraban a su casa de campo como su hogar principal, pero pasaban varios meses del año en la capital para socializar y participar en la política. Los eventos más exclusivos se celebraban en las mansiones de la ciudad de los principales miembros de la aristocracia. Lugares públicos exclusivos como Almack’s, el primer club londinense en admitir hombres y mujeres, jugaba un papel secundario.

La alta sociedad de Londres en Almack’s (1800)

La Temporada coincidía con la sesión del Parlamento y comenzaba poco después de Navidad, extendiéndose hasta mediados de verano (más o menos a finales de junio). Por esta razón, jugaba un papel importante en la vida política del país: los miembros de las dos Cámaras del Parlamento eran casi todos los participantes en la temporada. Pero también era una oportunidad para que los hijos en edad núbil de la nobleza y la burguesía fueran lanzados en la sociedad. Las mujeres eran introducidas formalmente en la sociedad mediante la presentación ante el monarca en la Corte. En la sociedad londinense, tradicionalmente la temporada comenzaba después de Pascua y terminaba con el Glorious Twelfth (12 de agosto), el inicio de la temporada de caza de perdiz roja.

Glorious Twelfth of August (1890)

La temporada tradicional entró en declive después de la Primera Guerra Mundial, cuando muchas familias aristocráticas renunciaron a sus mansiones de Londres. A partir de este momento un número creciente de eventos de la sociedad comenzaron a llevarse a cabo en lugares públicos, por lo que fue más difícil mantener la exclusividad social.

Muchos eventos que tienen lugar lejos del centro de Londres llegaron a ser considerados como parte de la temporada social, incluyendo el Royal Ascot y la Regata Henley. Los eventos que conforman hoy la London Social Season son cada vez más organizados o patrocinados por las grandes empresas (es decir, "la hospitalidad corporativa") y aunque no existe una organización oficial de la temporada, muchas tradiciones y costumbres permanecen. Los códigos de vestimenta, por ejemplo, todavía se aplican a ciertos eventos, especialmente cuando la Reina juega un papel oficial. De acuerdo con la guía de nobleza de Debrett, la temporada social tradicional se extiende desde abril a agosto.

La Familia Real en el Derby de Epsom (junio de 2011)

Los eventos de la temporada en Inglaterra incluyen:

* Festival Internacional de Edimburgo (música clásica, teatro, ópera y danza de diferentes partes del mundo), Glyndebourne Festival Opera, en East Sussex (principalmente óperas de Mozart), The Proms o Proms de la BBC, ciclo de conciertos diarios de música clásica orquestal, principalmente en el Royal Albert Hall, desde mediados de julio hasta mediados de septiembre.
* La Exhibición de Verano de la Royal Academy, exposición abierta de arte (pintura, dibujo, escultura, diseños arquitectónicos) y espectáculos teatrales en la popular zona del West End; el Chelsea Flower Show, una muestra de jardines durante cinco días de mayo.
* Las prestigiosas carreras de caballos de Royal Ascot (Berkshire), Glorious Goodwood (Chichester, West Sussex), Epsom Derby (Epsom Downs) y Grand National (Aintree, Liverpool).
Otros eventos ecuestres, como el concurso de saltos Badminton Horse Trials en la mansión del Duque de Beaufort en Gloucestershire y el Royal Windsor Horse Show en el Windsor Home Park, el desfile Trooping the Colour –que marca el cumpleaños oficial de la soberana británica- y el Servicio de la Orden de la Jarretera en el Castillo de Windsor.
* Y más deportes: la Boat Race o Carrera de Botes (entre los equipos de Oxford y Cambridge) en el Támesis; la Henley Royal Regatta en la localidad de Henly-on-Thames, los torneos de polo en Guards Polo Club de Windsor (Queen’s Cup, Royal Windsor y Archie David), los campeonatos de tenis de Wimbledon, la semana de regatas de Cowes en el Solent (el área de agua entre el sur de Inglaterra y la Isla de Wight) y el Lord’s Test Match de cricket en St John’s Wood.

El Duque de Edimburgo y la Reina observando los Badmington Horse Trials en Gloucestershire (1968)

Aunque varios de estos eventos no se celebran en Londres, como la copa Hurlingham Polo Cartier International en Windsor, los organizadores de la mayoría de ellos intentan evitar enfrentamientos de fechas y por lo general es posible visitar todos ellos en el mismo año (teniendo suficiente tiempo libre, ingresos adecuados y resistencia). El tradicional fin de la temporada en Londres es el Glorious Twelfth de Agosto, que marca el inicio de la temporada de caza. La sociedad se retiraría al campo para cazar perdiz roja durante el otoño y zorros durante el invierno, antes de regresar a Londres de nuevo con la primavera.

El Baile

El baile como evento social de la temporada implica una gran recepción formal con música, a la que los asistentes acuden con atuendo de noche, detalle que es especificado en la invitación como “esmoquin” o “frac” (el más formal). Existen diferentes tipos de baile, desde el Commemoration ball que año a año organiza uno de los colegios de la Universidad de Oxford hasta el May ball con el que finaliza el año académico la Universidad de Cambridge y que requiere vestimenta formal; desde el Cotillion ball o Cotillón que implica parejas en formación geométrica repitiendo figuras y que hoy se realiza en el Wiener Opernball o Baile de la Opera de Viena, hasta el Gran Ballo della Cavalchina en el Teatro La Fenice, el más espectacular y exclusivo de todos los bailes de máscaras venecianas. Párrafo aparte merece el legendario “baile de debutantes”.

Cotillón en el Baile de la Opera de Viena

Una debutante (del francés débutante, "principiante femenina") es una joven de la aristocracia o la clase alta que ha llegado a la edad de la madurez, y como un nuevo adulto, es introducida a la sociedad en un formal "debut" de presentación. Originalmente, significaba que la mujer joven tenía derecho a casarse y parte de la finalidad era mostrarla a solteros elegibles y sus familias con miras al matrimonio dentro de un selecto círculo social. Las debutantes pueden ser recomendadas por un comité distinguido o patrocinadas por un miembro establecido de la sociedad de élite.

Las presentaciones varían según la cultura regional y también son citadas frecuentemente como "bailes de debutantes", "bailes de cotillón" o "fiestas de puesta de largo". El equivalente masculino se refiere a menudo como "baile de beautillion". Una debutante en solitario podría tener su propio debut, o compartirlo con un hermano u otro pariente cercano. Los modernos bailes de debutantes son a menudo eventos de caridad: los padres de la debutante donan una cierta cantidad de dinero para la causa designada y los invitados pagan por sus billetes. Estos bailes se pueden ser elaborados asuntos formales e involucrar no sólo a "debs", sino también debutantes más jóvenes, escoltas y ujieres, niñas de las flores y también pajes.

Debutantes ante la reina Victoria

En el Reino Unido, la presentación de debutantes en la corte de Saint James marcaba el inicio de The Season. Las solicitudes para jóvenes a ser presentadas en la corte tenían que ser hechas por damas que ya se habían presentado al soberano, como su madre u otra persona conocida por la familia que era adecuada para dar fe por la dama a ser presentada. Una suegra que se había presentado podría, por ejemplo, presentar su nueva nuera. La Presentación de debutantes en la corte era también una manera para que las jóvenes en edad de casarse fueran presentadas a jóvenes solteros y sus familias con la esperanza de encontrar un marido adecuado. El soltero podía, a su vez, utilizar la presentación en la corte como una oportunidad para encontrar una esposa adecuada. Los que querían ser presentados en la corte estaban obligados a solicitar permiso para hacerlo por lo que si la solicitud era aceptada, se les enviaba una citación real del Lord Chambelán para asistir a la presentación en un día que declarado por Debretts siempre comenzaba a las 10 pm. Así como las debutantes, también podían ser presentadas mujeres mayores y damas casadas que no habían sido presentadas previamente.

Después de la presentación, las debutantes eran lanzadas a la sociedad como jóvenes damas para asistir a Royal Ascot, fiestas de té vespertinas, partidos de polo y bailes, todo lo cual era escenario para que las jóvenes actuaran con las maneras apropiadas de una dama. Muchas debutantes también tienen su propia "fiesta de presentación" o, alternativamente, una fiesta compartida con una hermana u otro miembro de la familia.

Drawing Room de Saint James Palace durante un baile de presentación de debutantes (1808)

Los últimas debutantes fueron presentadas en la Corte en 1958, después la reina Isabel II abolió la ceremonia. Se hicieron intentos de mantener la tradición mediante la organización de una serie de fiestas para jóvenes que de otra manera hubieran sido presentadas en la Corte en su primera temporada (a la que jóvenes idóneos también fueron invitados). Sin embargo, la retirada del patrocinio real hizo estas ocasiones cada vez más insignificantes y apenas se distinguen de cualquier otra parte de la temporada social.

Códigos de vestimenta

Muchos eventos de la temporada tienen directivas tradicionales con respecto a la vestimenta. En el Royal Ascot, por ejemplo, los sombreros son un deber y para ser admitido por primera vez en el Recinto Real (Royal Enclosure) uno debe ser invitado de un miembro o patrocinado para la membresía por un miembro que ha asistido al menos cuatro veces. Esto sigue manteniendo un carácter socialmente excluyente al Recinto. Si está permitido entrar en el Recinto Real, los caballeros deben vestir traje de mañana sea negro o gris, incluyendo un chaleco, con un sombrero de copa. Un caballero puede quitar su sombrero de copa en un restaurante, un palco privado, un club privado o terraza con instalaciones, balcón o jardín. Los sombreros también pueden ser quitados en cualquier área exterior dentro del Jardín del Recinto Real. Las damas no deben mostrar diafragmas u hombros descubiertos y deben usar sombreros.

Dama en el Royal Enclosure de Ascot, con sofisticado sombrero diseñado por Hélène de Saint Lager

En la Henley Royal Regatta, en el Recinto de los Mayordomos (Stewards’ Enclosure) los caballeros deben llevar chaqueta y corbata. Los colores del Rowing Club en una chaqueta o sombrero están permitidos, como es el uso de los navegantes. El dobladillo de la falda de una dama debe llegar por debajo de la rodilla y se comprueba antes de la entrada por los oficiales de los Mayordomos. Los sombreros están permitidos pero no son obligatorios para las damas. Cuando una estudiante protestó porque se le negó la entrada al Steward’s Enclosure por no cumplir con el código de vestimenta, diciendo que se había puesto el vestido "en el Recinto Real de Ascot y nadie dijo nada", un portavoz defendió el código diciendo: "La intención es mantener la atmósfera de una fiesta de jardín inglés de la época eduardiana con un vestido más tradicional". Los miembros deben mostrar sus tarjetas de identificación esmaltadas en todo momento. Cualquiera que se encuentre usando un teléfono móvil se le pide que salga inmediatamente y su anfitrión del Steward’s Enclosure, identificado por el número de la insignia de los clientes, puede retener su membresía como resultado.

Espectadores en la Henley Regatta

En partidos de polo es habitual que los caballeros usen una chaqueta y siempre pantalón blanco. Las damas deben usar zapatos planos, pues la tradición de "pisando los terrones" impide el uso de tacones. La famosa Club House en Guards Polo Club, en Windsor Great Park, es solo para uso de los miembros del Club, que usan individualmente insignias de oro y esmalte. Los invitados de los miembros reciben etiquetas especiales con relieve de oro.

La vestimenta masculina

Un esmoquin (del inglés smoking) es un traje de etiqueta masculino para lucir en actos sociales de cierta relevancia, pero sin llegar a la importancia de una boda, recepción oficial o cena de gala, ceremonias donde se luce chaqué o frac. En español, se ha inventado la leyenda de que el origen del esmoquin se remonta al siglo XIX en que los caballeros británicos se ponían esta chaqueta (smoking jacket) para fumar. De ahí su denominación en español, aunque en inglés la misma prenda se llama tuxedo. Actualmente los británicos la llaman dinner jacket ("chaqueta para cenar") o black tie ("corbata negra", por el color de la pajarita o moño).

Los Duques de Cambridge y el Príncipe Harry respondiendo el black tie dress code en la entrega de los Sun Military Awards

El chaqué (también llamado chaquet, terno o vestón) es el traje de máxima etiqueta para el hombre. Se utiliza para fiestas y ceremonias de día (para las noches se utiliza el frac). Sólo el traje regional de cada país tiene el mismo nivel que el chaqué. En inglés se le llama morning dress y raramente es usado en otra cosa que un evento formal diurno, desde almuerzos hasta las carreras de Royal Ascot, en funciones cívicas, gubernamentales o reales o como uniforme para algunos de los colegios más tradicionales de Gran Bretaña, como Eton.

El frac es un traje de tipo formal que constituye el tipo de vestuario más elegante para el hombre en celebraciones nocturnas. En inglés es white tie (o evening dress, full evening dress). Al igual que el chaqué, el protocolo indica que la invitación lo especifique con frases del tipo "frac o traje nacional". Una de las ocasiones más conocidas en que se lleva el frac es la ceremonia de entrega de los premios Nobel. Otras ocasiones posibles incluyen recepciones en las embajadas, cenas de Estado, coronaciones, bailes de gala, etc. No está indicado en absoluto para las bodas (para las que se lleva el chaqué) a menos que tengan lugar al atardecer. Asimismo, durante muchos años, se usó en las visitas al Vaticano por parte de jefes de Estado y durante los cambios de mando presidenciales.

Fracs y trajes nacionales escoceses en la visita del Rey Carlos Gustavo de Suecia a Inglaterra (1975)

Tanto en el chaqué como el frac se desaconseja llevar prendas de abrigo porque tapan la prenda. En grandes eventos formales, como en España el funeral de don Juan de Borbón, padre del Rey, las autoridades lucieron el chaqué sin prenda de abrigo alguna, pese al mal tiempo. Asimismo, los palacios reales de Europa cuentan con escalinatas cubiertas para evitarles a los invitados tener que llevar prendas de abrigo.

La temporada en los Estados Unidos

Muchas de las grandes ciudades de Estados Unidos tienen una temporada social más o menos oficial, aunque sólo las personas del registro social pueden ser conscientes de su existencia. En los Estados Unidos, el momento de la temporada social se adapta al clima local antes que a la sesión de un órgano legislativo y puede empezar tan pronto con el otoño y finalizar a principios del verano, cuando la rica élite tradicionalmente huye del calor y las húmedas ciudades hacia los campos de los Adirondacks, se retira junto al mar, como los Hamptons, o, en California, los valles Napa y Sonoma. En Nueva York, la apertura de la Metropolitan Opera en septiembre es un acontecimiento clave al principio de la temporada, que incluye el International Debutante Ball en diciembre. En Los Angeles es el baile de debutantes de Las Madrinas y en San Francisco la Noche de Gala de Apertura de la Ópera.

Debutante Cotillion Ball en el Waldorf Astoria de Nueva York (1952)

Diana, Princesa de Gales

La camarera del palacio de Kensington puede enorgullecerse de haber conocido, como pocos, la vida, intimidad y, principalmente, el gusto de Diana, Princesa de Gales. Su vestuario, controlado por un programa de computadora, tal vez sea el mejor retrato de esa mujer que hizo historia, lanzó modas y definió tendencias en una de las capitales más elegantes del planeta. Diana combinó estilo con comportamiento y fue mudando su ropa a medida que abandonaba el papel de esposa dedicada de los ’80 para transformarse, a fines de los ’90, en militante de causas humanitarias. Impecable pero casual visitó, en agosto de 1997, los campos minados de Bosnia, vistiendo un conjunto básico de pantalones jeans negros y camisa de algodón rosa, firmado por Giorgio Armani. Poco recordaba a la tímida profesora de primaria que a fines de los ’70 llevaba cuellos altos y vestidos llenos de volados.

“Diana fue un fashion-icon y para nosotros, los ingleses, significaba un soplo de glamour, charme y elegancia dentro de una familia real que necesitaba desesperadamente de eso”, analiza Mimi Spencer, columnista londinense especializada en moda y que, británicamente, evita mencionar los vestidos de la Reina y los sombreros de la Reina madre. “Comenzamos a sentir orgullo de una princesa que era admirada, respetada y copiada en Francia, en Estados Unidos y en todo el mundo”.

Más o menos rebuscado, casual o de gala, el estilo Di se volvió casi una religión para millones de mujeres alrededor del planeta. En el Reino Unido, por ejemplo, cualquier cambio en el largo de sus cabellos motivaba una corrida a los estilistas, que rápidamente asimilaban el nuevo estilo como un modelo de buen gusto. No siempre lo era, pero, ¿a quién le importaba? Dueña de un carisma sin medida, Diana siempre robaba la escena. En junio de 1994, mientras el Príncipe Carlos asumía en la televisión que había traicionado a su mujer, ella apareció en una fiesta de la Serpentine Gallery, en Hyde Park, con un impactante vestido corto y escotado de Christina Stambolian, que dejaba sus hombros y piernas al descubierto y era una oda a la sensualidad. Delgada, alta y totalmente magnética frente a las cámaras, la princesa parecía impecable hasta cuando huía de los paparazzi al salir de la academia de gimnasia de Earl’s Court, vistiendo un ajustado short negro marca Nike y un suéter de la Universidad de Harvard. El conjunto, naturalmente, se volvió un modelo de uniforme para las adeptas al aerobismo.

Con una interminable agenda de compromisos oficiales para cumplir, la princesa poseía una de las mayores colecciones de vestidos del mundo; parte de ellos fue disputado, en junio de 1997, en una subasta en Christie’s de Nueva York y sus beneficios fueron destinados a obras de caridad. En los inicios de su vida como princesa de Gales, la inglesa Catherine Walker se convirtió en su diseñadora preferida. Las prendas de noche tenían vuelo, eran vaporosas, en telas ricas en bordados y pedrerías. Los escotes, siempre presentes, se podían definir como bien comportados. El denominador común: imprimir distinción en todo acontecimiento público con una imagen de princesa de cuento de hadas.

En los años ’90, separada del príncipe de Gales, quiso desprenderse de la imagen de mujer recatada que resultó traicionada y cambió volados y pedrería por escotes osados y diseños ajustados al cuerpo que revelaban su sensualidad. Entraron en su guardarropa Valentino, Jacques Azagury y Gina Fratini. El italiano Gianni Versace se convirtió en su amigo y también en proveedor de ropa tanto para cenas de gala como para visitas a hospitales y centros de caridad. Cuando presentó su primera colección para Casa Dior, el talentoso diseñador inglés John Galliano también mereció el privilegio de vestir su silueta elegante. Dior retribuyó su preferencia bautizando una cartera de mano de cuero, de formato cuadrado y asas cortas, con el nombre de “Lady Di”, lo que la transformó en uno de los diseños más codiciados y fila de espera para adquirirla, pese a su elevado precio de 2.000 dólares.

Para las casas de moda y los diseñadores, vestir a la Princesa de Gales fue siempre una certeza de éxito en los negocios antes de las liquidaciones. Ella tenía plena conciencia de ello y, casi con la misma dedicación que dedicó a los proyectos de caridad, dio prestigio a un considerable elenco de diseñadores ingleses: Bruce Oldfield y Catherine Walker, sus preferidos, Víctor Edelstein, Belville Sassoon y los hermanos Emanuel, responsables de su célebre vestido de novia.

Diana fue el primer miembro de la familia real británica en no considerar subconscientemente a sus diseñadores como “comerciantes”. Siempre estaba preparada para dar relieve a la cena de gala ofrecida a los compradores extranjeros en el Fishmonger’s Livery Hall por el Consejo Británico de la Moda, o a la gala en beneficio de Barnardo organizada por Bruce Oldfield en el hotel Grosvenor House. Al mismo tiempo, hizo dos contribuciones menos concretas: sostener la posición de Londres como la cuarta capital de la moda, proporcionando un foco global para la moda británica, con fotografías y explicaciones sobre sus diseñadores que aparecían incesantemente en publicaciones desde Nueva York a Tokio y desde Vancouver a Riyadh; y ayudar a crear un clima de conciencia de la moda en las principales calles británicas.

En los ’70, las noticias sobre la moda aparecían en los periódicos sólo una vez a la semana, en las páginas dedicadas a la mujer. Diana elevó la temperatura del país a tal grado que ningún director de diario podía dormir tranquilo si no publicaba una fotografía a cuatro columnas de su último vestido de noche con profundo escote en la espalda. Y el apoyo de la princesa a determinados diseñadores promovía la venta de vestidos porque, en contraste con Estados Unidos, era la única mujer de Gran Bretaña que vestía un amplio repertorio de prendas.

Se escribió tanto sobre los nuevos vestidos de la princesa y de su romántica transformación, de maestra de jardín de infancia a embajadora de la moda británica, que resultaba fácil olvidarse de las implicaciones comerciales locales. Los periódicos ingleses escrutaban las nuevas prendas de Diana con una fascinación reservada únicamente a la guerra: el nuevo diseñador, héroe del frente; el repentino e inesperado revés en la fortuna de algún modista; la retirada estratégica de la línea del dobladillo. Y, con todo, se preocupaban por los precios de las nuevas prendas. Si se le vendía con descuento un traje de noche (lo que ocurría con frecuencia), entonces se producían muestras de descontento por la desigualdad de oportunidades. Cuando pagaba el total del precio marcado, Inglaterra se sentía perpleja por el costo y se preguntaba angustiada si en realidad necesitaba tantos vestidos.

Cuando se realizó el viaje a Italia del Príncipe y la Princesa de Gales en 1985, el londinense Daily Star lo anticipaba de esta forma: “LA EXCURSIÓN DE CIEN MIL LIBRAS DE DIANA. LA PRINCESA HA ADQUIRIDO SETENTA Y CINCO NUEVOS VESTIDOS PARA DESLUMBRAR A LOS ITALIANOS”. Pero terminaba la nota diciendo: “Bellísima… es la única palabra para describir a la radiante Princesa Diana”.

Pero bellísima no era la palabra que la prensa norteamericana elegía con más frecuencia. La relación entre los periodistas de modas neoyorquinos y el vestuario de Diana era tan compleja que sólo un psicoanalista especializado en el desarrollo de productos podría llegar a desentrañarla. Por un lado alababan sin cesar a la princesa por su buen gusto (“sólo la Princesa Diana podría llevar un sencillo suéter de Edina Ronay y conseguir que la luz de los focos se apartara del príncipe, en el campo de polo, para enfocarla a ella”, Detroit Free Press). Luego la vapuleaban por sus errores, como W, en su suplemento sobre las víctimas de la moda de 1985: “Extrajo a antiguos favoritos, como Emanuel, de la división de prendas olvidadas para hacerlos resurgir como los peores conjuntos del viaje italiano; una tiesa chaqueta de cuadros verde esmeralda con el atractivo de una manta de caballo. La bufonada se completó con el añadido de un amplio y amorfo sombrero esmeralda”.

Los diez años de matrimonio de hecho la princesa permaneció leal a los productos ingleses, al menos en público. En privado vestía algún Ralph Lauren, adquirido en la tienda de New Bond Street y unos pocos jerseys de Armani. Los lugares relativos dentro de los doce favoritos de Diana dependían en grado sumo de los diseñadores rivales. El vestuario real para los viajes a Australia y Canadá en 1984 presentó una diferencia con las tendencias de la princesa de seis años después. El viaje australiano duró el bíblico número de cuarenta días y cuarenta noches. El recorrido por Canadá fue más corto, sólo duró dieciocho días. En conjunto, Diana tuvo actos oficiales durante cuarenta y siete de aquellos días y cuarenta y tres de las noches y vistió un total de ochenta y dos conjuntos.

Después de tres meses de compras y de pruebas con varios de los nombres que eran nuevos para ella, se empaquetaron prendas de diecinueve diseñadores (desde seis piezas de Donald Campbell a una sola de Emanuel, pasando por The Chelsea Design Co., Jacques Azagury, Jasper Conran o Haachi) dentro de los noventa baúles monogramados que se cargaron a bordo del Boeing 707 de la RAF con destino a Woomargarma. Allí había también veintisiete sombreros de John Boyd, un par de blusas de Oscar de la Renta (única prenda de un diseñador extranjero que usó en un viaje oficial), además de zapatos de Blahnik y Rayne. El amplio alcance y el gran número de diseñadores a quienes Diana concedió su confianza eran prueba de su creciente familiaridad con la reducida condición de la moda británica. Aunque hubiera sido más conveniente que se restringiera a tres o cuatro diseñadores (igual que sus mayores en la familia real hacían con Hardy Amies y Norman Hartnell), en lugar de rastrear por todas partes e ir por ahí explicando lo que deseaba.

Cinco años más tarde, la princesa solicitaba menos consejo a los expertos (Anna Harvey, directora del Vogue británico, fue en gran medida quien creó el estilo de la Princesa de Gales). Se sentía a gusto en compañía de los diseñadores y había reducido su repertorio: Edelstein, Oldfield, Jasper Conran, Catherine Walker y Edna Ronay. Según David Sassoon, “al principio, ella revivió el romanticismo, luego optó por una moda más audaz; ahora ha regresado al romanticismo. Ha dado un giro total en seis años”.

Ha lucido desde las faldas anchas hasta las ceñidas, ha experimentado con todos los colores (según la etiqueta, tenía que llevar colores vivos para resaltar en medio de la multitud pero lo hacía con estampados hasta encontrar los tonos enteros que luego la favorecieron), pero sus telas favoritas eran el terciopelo, el tafetán y el satén. Según Victor Edelstein: “La Princesa de Gales ha optado por la silueta Y, que le sienta de maravilla”, dijo refiriéndose a sus trajes de hombros amplios y faldas estructuradas y angostas.

“La belleza y la juventud de la princesa son tan fuertes que no necesita adornos artificiales –concluía el diseñador norteamericano Bill Blass en 1988-. Su imagen nocturna es buena porque tiene la ventaja de poseer grandes joyas y de poder lucir vestidos sin tirantes”. Arnold Scaasi, otro norteamericano, coincidía que “…es muy joven y bonita, pero también posee una cualidad que resulta… muy aristocrática. ¿Es esa la palabra? Creo que Jackie Onassis tenía esa cualidad. Resulta muy bonita, pero hay en ella una cierta elegancia y porte que la hace muy señorial. Esa cualidad es un don.”

Diana adoraba los colores vivos. Usaba el rojo, el rosa oscuro o el azul cielo para descollar en medio de la multitud y eran agradables a la vista. El azul lo utilizaba para dar realce a sus ojos. Los tonos pálidos y el blanco los llevaba a menudo como contraste a su cabello rubio y su cutis de rosa. El negro lo reservaba para la noche y lo acompañaba con brillantes joyas. Para las cenas oficiales lucía los opulentos aderezos que le regalaba la Reina o el príncipe de Gales, pero a veces rompía todos los moldes variando la forma de usarlas. No era raro verla con un diseño de noche y un collar de perlas anudado sobre la espalda desnuda. En otras ocasiones daba vueltas a sus gargantillas y las convertía en brazaletes o colocaba un choker en la frente, a modo de bandana india. Muchos de sus trajes de noche dejaban un hombro al desnudo y eran creados especialmente para ella por el japonés Haachi. Llevaba también muchos trajes de dos tonos para verse menos alta.

Desde 1983 fue integrada en el Hall of Fame de las mujeres más elegantes del mundo. Pero había tanteado paso a paso su camino. En sus dos últimos años, cansada de ser perseguida por la prensa, parecía estar decidida a relajarse. Tuvo una etapa étnica, con trajes de estilo paquistaní. Eligió excepcionales trajes de chaqueta de Versace, Tomasz Starzewksi o Catherine Walker que ceñían su silueta, sutilmente insinuantes y acentuaban su porte distinguido. No perdía oportunidad de exhibir sus bien torneadas piernas o sus magníficos hombros; otra cosa que manejaba a la perfección era el arte de llevar los pequeños bolsos de mano, que elegía en lugar de los bolsos colgados del hombro para no estropear el look de su vestido. Jasper Conran, Lacroix, Chanel y nuevamente Versace elegía para los trajes de noche. Moschino era otro de sus favoritos. Sus reales pies preferían las etiquetas de Charles Jourdan y Manolo Blahnik, a las que solía añadir la de Christian Dior en las medias, que usaba en estudiada armonía (como todo lo demás) con el resto del vestuario. Su imagen, pese a ser cara, había puesto a la corona “en órbita”.

En sus vacaciones de verano en Saint Tropez combinó la alegría con la modernidad, aunque con ropa sofisticada de marca. Se vistió de playa con mallas enterizas bicolores y estrenó un modelo estampado atigrado. Con el pretexto de huir de los paparazzi usó anteojos oscuros de Versace. Paseaba de bermudas blancos, camisa y bolso de mano de Louis Vuitton. Vestía lo básico, pero parecía preparada para protagonizar un reportaje de primera página.

Cedió al asedio de las más célebres revistas de moda, como Vogue, Harper’s Bazaar y Vanity Fair, y posó como una top model real para los fotógrafos Patrick Demarchelier y Mario Testino. “Diana se convirtió en mi modelo preferida. La primera vez que la vi, quedé impresionado con la forma en que ella irradiaba su belleza”, así la elogia Demarchelier, que la vistió de Versace y Catherine Walker. Ya que no podía escaparse de los medios, decidió aprovecharse de ellos para incrementar sus proyectos personales y sociales. En esas fotos de estudio, parece una modelo profesional, cómoda, relajada y sexy. Tampoco economiza sonrisas, una marca registrada suya que, para mala suerte de los ingleses, fue la única característica que no se convirtió en moda en las islas británicas. Sus esfuerzos en el correr de los años para mejorar su persona, su imagen y dejar a su paso una bella estela fue un magnífico ejemplo de esfuerzo y de tenacidad.

La Princesa de Faucigny-Lucinge

Quizá fue Liliane Marie Mathilde d’Erlanger, princesa de Faucigny-Lucinge, la que tuvo mayor responsabilidad por la introducción de una nota exótica en los ’20. Su individualismo ingénito hizo inevitable que luciese entre las mujeres excepcionales de aquel período e incluso hoy en día existen señales indirectas de la contribución aportada por Baba Lucinge al estilo o la decoración.

Fotografiada por Cecil Beaton, 1920

Inglesa por nacimiento, era hija de Émile Beaumont, Barón d’Erlanger y había nacido en Londres en 1902, siendo conocida como Baba. En noviembre de 1923 casó con Jean-Louis Charles Guy Marie François, príncipe de Faucigny-Lucinge, con quien tuvo tres hijos: Ysabel Catherine Emilie Natividad (1925), Ariel Marie Roberte (1926) y Guy-Louis Dieudionné Antoine (1940).

Faucigny-Lucinge es una antigua familia que tiene sus raíces en Saboya. Uno de sus miembros, René de Faucigny-Lucinge (1583-1610) fue embajador del duque de Saboya en la corte de Francia y jugó un importante papel en el proceso de paz, aparte de haber escrito importantes acontecimientos históricos. Prosper Antoine de Lucinge, Marqués de Lucinge, Barón d’Aranthon, Gobernador de Turín, Chablais y Genevois fue Caballero de la Orden de la Anunciación en 1696. En el siglo XVIII, otro miembro de la familia fue hecho Príncipe de Lucinge por el rey de Cerdeña en 1729.

El Château de Coat-an-Noz, construido entre 1880 y 1884, residencia de los Príncipes de Faucigny-Lucinge hasta 1923.

Ferdinand-Victoire-Amédée de Faucigny-Lucinge (1789-1866) fue recompensado con el título de Príncipe y casó en 1823 con Charlotte de Borbón, Condesa de Issoudun (1808-1886), hija ilegítima del príncipe Charles Ferdinand de Borbón, Duque de Berry (hijo de Charles X de Francia y Amy Brown). El título beneficiaba al destinatario y a todos sus descendientes, que a partir de entonces pasarían a ser príncipe –o princesa- de Faucigny-Lucinge. Su hijo Charles Marie Maurice Príncipe de Faucigny-Lucinge (1824-1910) fue nombrado además Príncipe de Coligny, otro título hereditario pero esta vez para el hijo mayor del jefe de la Casa.

La madre de Baba, que tenía el pelo rojo, era muy conocida en Inglaterra como una vanguardista de los decorados de interiores y la casa familiar en Piccadilly (que había pertenecido en su tiempo a lord Byron) estaba llena de bolas de colores, adornos de concha y muebles con incrustaciones de nácar comprados en el Caledonian Market. Incluso cuando era niña, Baba causaba asombro aunque ella no parecía dar importancia, ni notar tal cosa. Cuando se paseaba por Londres no iba escoltada por la tradicional dueña inglesa, sino por un maravilloso mameluco, con su turbante y su vestimenta de colores, que la seguía como un paje. Cuando era una jovencita, Baba llevaba vestidos de tisú de oro. Más tarde, cuando se casó con el príncipe Jean Louis de Faucigny, su vestido de boda fue calificado de “oro fundido”.

Fotografiada por George Hoyningen-Huené para Vogue, 1928

Baba pareció siempre una especie de pilluelo árabe, pintándose un ligero toque de melancolía en su faz oscura y en forma de almendra. Se ponía pintura negra debajo de los ojos y se dejaba crecer muy largas las uñas esmaltándoselas de rojo oscuro. Su juventud y belleza le permitían presentarse sin misterio alguno, incluso al pleno sol de las playas. Solía llevar en estas ocasiones un pequeño gorrito de estilo oriental o diminutos sombreros caprichosos, prendiendo en el traje de baño alguna joya en forma de racimo de uvas.

Su llamativa presencia la hizo una de las favoritas de couturiers modernistas como Lucien Lelong; era sofisticada y severa en sus opciones de moda, con un vestuario minimalista y monocromático. Su rostro y cuerpo anguloso, combinados con su apariencia casi metálica, hacían que la princesa pareciese un cuadro cubista vuelto a la vida.

La Princesa Jean-Louis de Faucigny-Lucinge con Lady Mendl y Oliver Messel durante una fiesta en la Embajada Británica en París (1939)

Con su apuesto marido llevará una vida de ocio. La pareja dará fastuosas fiestas en los años de entre-guerra. Las veladas eran ambientadas con temas literarios, mitológicos o exóticos: "Remembranza de Proust”, por ejemplo, que finalizó en la Torre Eiffel a las seis de la mañana, y el célebre "Ball 1900 ", que incluía lo más granado de la sociedad francesa con vestidos de esa época. Los Faucigny-Lucinge habían decorado su apartamento con grandes artistas: José María Sert pintó escenas para ambos. Entre otras celebridades del arte y la aristocracia, la pareja se codeaba con Marthe Bibesco, Man Ray, Fulco di Verdura. Baba cultivaba amistad con Natalie Paley, Princesa Romanov, hija del Gran Duque Pavel de Rusia y esposa de Lucien Lelong, del cual Baba se había convertido en una de sus supermodelos. Codiciada por los fotógrafos más importantes de su tiempo, fue considerada una de las más elegantes y sofisticadas mujeres de París.

Baba y su hijo Coucous, retrato de Jean-Claude Fourneau (1945)

Edwina, Condesa Mountbatten de Burma

Edwina Mountbatten, Condesa Mountbatten of Burma, CI, GBE, DCVO (1901– 1960) era, de soltera, Edwina Cynthia Annette Ashley, hija mayor de Wilfred William Ashley, más tarde 1º Barón Mount Temple (creado en 1932), miembro del Parlamento por el partido Conservador. Por línea paterna, Edwina descendía de los Condes de Shaftesbury, los cuales habían sido ennoblecidos en 1661. De la rama menor de los Ashley-Cooper obtendría como herencia tierras en Broadlands y un castillo en Sligo, Irlanda. La madre de Edwina era Amalia Mary Maud Cassel, hija del magnate internacional Sir Ernest Cassel, amigo del futuro Edward VII y uno de los hombres más ricos y poderosos de Europa. Como éste había perdido a su esposa (Annette Maxwell) y Amalia era su única hija, dejaría el grueso de su vasta fortuna a Edwina, su nieta mayor.

Por el tiempo en que conoció a Lord Louis Mountbatten, en 1920, Edwina era un miembro líder de la sociedad londinense. Su abuelo murió en 1921, dejándole 2 millones de libras, la casa de campo de Broadlands y Brooke House, la palaciega mansión de Londres, mientras que el salario de su futuro marido era de 610 libras al año. Ashley y Mountbatten se casaron el 18 de julio de 1922 en Saint Margaret’s, Westminster. La familia real se hizo presente y el entonces príncipe de Gales (el futuro Edward VIII) fue el padrino del novio.

La boda, 1922

El matrimonio tuvo 2 hijas: Patricia, en 1924 y Pamela, en 1929. Lady Mountbatten vivió una vida privilegiada casi totalmente dedicada a la búsqueda del placer, pasando extensos períodos en el mar durante los ’30 en los que nadie tenía idea de dónde se encontraba. Fueron dos décadas de frivolidad, en las que, no satisfecha con su bien avenida familia, buscaba refugio en amantes y escándalos de alcoba. Sin embargo, a fines de la Segunda Guerra, adquirió un nuevo propósito en su vida y dedicó su considerable inteligencia y energía al servicio del prójimo. Es especialmente recordado su servicio en el período en que fue Vicereina de la India fraccionada.

Lady Mountbatten con su hija Pamela, 1929

El matrimonio no tradicional de los Mountbatten, su inmensa riqueza y su política de izquierda parecen haber suscitado mucha especulación sobre sus decadentes escapadas, pese a la tierna correspondencia que la pareja mantuvo durante sus vidas adultas. Lady Mountbatten ocasionalmente viajaba con su cuñada, Lady Milford Haven, cuyas relaciones bisexuales eran posiblemente mejor documentadas que aquellas atribuidas a Edwina.

La gran escalera de Brooke House, residencia de los Mountbatten en Park Lane

Junto a Nancy Cunard, fue publicado que supuestamente habían sido amantes con el americano Paul Robeson, lo que llevó a que ella exitosamente hiciera juicio al periódico por publicar tal historia cuando nunca se había encontrado con esa persona. De todas maneras, mantuvo realmente una liaison con Leslie Hutchinson y ese affaire lo llevó a un ostracismo social que destruyó su carrera profesional.

Durante el vicereinado de Mountbatten también se rumoreó que su esposa sostuvo un affaire con Jawaharlal Nehru, el primer ministro hindú, lo que podría tener conexión con las subsecuentes visitas a Inglaterra por parte de Nehru. De todas maneras, el affaire fue denegado por la familia Mountbatten, incluso otras relaciones extramaritales durante la vida matrimonial de la pareja nunca fueron admitidas.

Lady Mountbatten en la playa de Deauville, 1925

Lord y Lady Mountbatten sirvieron, respectivamente, como el último Virrey y Vicerreina de India, después que el gobierno británico les dio poder plenipotenciario para organizar la independencia de la India Británica. Luego de la partición, Lord Mountbatten permaneció brevemente como el primero de los dos Gobernadores Generales de India –en 1950 el vínculo con la monarquía fue roto y el gobernador general de India fue reemplazado por un presidente no ejecutivo-. Entonces se concedió a Lord Mountbatten por parte del gobierno hindú sus anteriores poderes virreinales, a todos los efectos, en las terribles circunstancias que siguieron a la Partición.

En la violenta interrupción que significó la Partición de India, Lady Mountbatten es universalmente recordada por sus heroicos esfuerzos en contrarrestar la miseria del pueblo hindú y hasta hoy permanece como una heroína en la India de aquel período, pese a los rumores sobre la bien conocida intimidad con Jawaharlal Nehru. Asimismo, causaba profunda impresión su modesto porte en el uniforme de la Brigada de Ambulancias Saint John en yuxtaposición con sus retratos oficiales que desplegaban grandeza virreinal en traje de noche y tiara.

El Virrey y la Vicereina de India en retrato oficial

Lady Mountbatten continuó llevando una vida de servicio al prójimo después de su Vicereinado en India. Murió mientras dormía, en febrero de 1960, en Jesselton, North Borneo, durante un viaje de inspección para la Brigada de Ambulancias St. John. A su pedido, Lord Mountbatten lanzó su cuerpo al mar en la costa de Portsmouth desde el HMS Wakeful; Nehru envió dos destructores de la Armada hindú para acompañarla y ofició Geoffrey Fisher, Arzobispo de Canterbury.

Edwina y Nehru en los '50

Títulos

• Miss Edwina Ashley (1901–1922)
• Lady Louis Mountbatten (1922–1946)
• La Muy Honorable Vizcondesa Mountbatten de Burma (1946–1947)
• La Muy Honorable Condesa Mountbatten de Burma (1947–1960)
  

Honores

• Lady of the Imperial Order of the Crown of India
• Dame Grand Cross of the Order of the British Empire
• Dame Commander of the Royal Victorian Order

Nancy Astor, Vizcondesa Astor

Nancy Witcher Langhorne era norteamericana de Danville, Virginia, hija de un hombre de negocios sureño que hizo fortuna con los ferrocarriles a finales del siglo XIX. Pero fue la primera mujer en ser Miembro del Parlamento británico, con un escaño en la Cámara de los Comunes representando al Partido Conservador.

Nancy Astor, 1909

Se casó primero con Robert Gould Shaw a los 18 años, pero su matrimonio fue un infierno y solicitó el divorcio en 1903. El mismo año hace una visita a Inglaterra y se enamora del país, al que se muda dos años más tarde. En la misma época conoce al que pronto sería su segundo marido, Waldorf Astor, hijo y heredero del magnate William Waldorf Astor, naturalizado británico.

William Waldorf Astor había sido elegido diputado conservador del Parlamento en 1910, luego fue nombrado Caballero con derecho a un escaño en la Cámara de los Lores y en 1917 obtuvo un vizcondado. Su hijo Waldorf Astor siguió los pasos de su padre dentro del partido Conservador y entró en la Cámara de los Comunes, siendo representante del distrito de Sutton, de Plymouth.

Lady Astor, 1920

Nancy y Waldorf se casaron en 1906 y la pareja estuvo bien avenida desde el principio, no sólo porque ambos eran expatriados americanos de temperamentos similares, sino porque tenían la misma edad, habiendo nacido exactamente en la misma fecha (19 de mayo de 1879). Nancy se mudó a Cliveden, una deslumbrante propiedad en Buckinghamshire, sobre el río Támesis, y comenzó una vida como prominente anfitriona de la élite social. Los Astor también eran dueños de una gran casa en Londres, en el nº 4 de St James’s Square. A través de sus múltiples conexiones sociales, Lady Astor se vio envuelta en una especie de círculo político llamado Milner’s Kindergarten, un grupo de ideas liberales que advocaba la unidad y la igualdad entre los ingleses y una continuidad o expansión del imperialismo británico.

Un dibujo de Sargent, 1923

En 1919, cuando falleció Lord Astor de Hever, Waldorf se convirtió en el 2º Vizconde Astor, pasando a ocupar el asiento vacante de su padre en la Cámara de los Lores. Gustando de política, Lady Nancy Astor se presentó como candidata del partido liberal para representar el distrito de Sutton, ex-feudo de su marido, cosa que consiguió en 1919 al entrar en el Parlamento. Era la primera mujer que se sentaba en la Cámara de los Comunes. Aunque en realidad había sido ya precedida en esa hazaña por otra mujer, Constance Markievicz en 1918, ésta había sido inmediatamente descalificada por pertenecer al Sinn Fein.

Los logros de Lady Astor en la Cámara de los Comunes fueron relativamente menores. Nunca tuvo una posición de gran influencia. Katharine Stewart-Murray, Duquesa de Atholl (ingresada al Parlamento en 1923, cuatro años después que Lady Astor), llegó a niveles más altos en el Partido Tory antes que lo hiciera la propia Astor. Durante este período, Lady Astor hizo un significativo trabajo fuera de la esfera política, usando su riqueza para incrementar sus esfuerzos en pro de las escuelas infantiles, por ejemplo.

Cliveden, Buckinghamshire

Nancy Astor figuró en el Parlamento hasta 1945, fecha de su retiro del mundo de la política, y sobresalió por ser en primera instancia una acérrima defensora del pacifismo de Chamberlain, para luego criticarle duramente y pasar a ser una defensora de la política defensiva de Winston Churchill. También se distinguió como la gran campeona de los derechos de las mujeres y de los niños, y por ser una oradora tenaz y feroz durante sus debates frente a Winston Churchill.

Sus enfrentamientos con el primer ministro no le impidieron relacionarse con él, y hasta viajaron juntos a Oxfordshire, en repetidas ocasiones, para visitar a los duques de Marlborough en Blenheim Palace. Existía una extraordinaria atracción entre esos dos monstruos de la política, una afinidad y una relación de amor-odio que se refleja en esta corta conversación:

Lady Astor: -"Winston, si yo fuera su esposa, le pondría veneno en su café."
Sir Churchill: -"Madam, si yo fuera su marido, lo bebería!"

Vizconde y Vizcondesa Astor, 1935

Al final de la IIª Guerra Mundial, Nancy Astor se retiró de la política sin esperar a las elecciones generales de 1945. No sintió que aquellos años fueran un período de declinación personal. En su opinión, fueron su partido y su esposo quienes causaron su retiro ese año. A partir de entonces comenzaron sus dificultades, especialmente en su matrimonio. En un discurso conmemorando sus 25 años en el Parlamento, declaró que su retiro fue forzado y que debía complacer a los hombres de Gran Bretaña.

La pareja comenzó a viajar de forma separada y poco después dejaron de vivir juntos. Lord Astor empezó a sentirse atraído hacia la política de izquierda durante sus años finales y esto exacerbó las diferencias entre ambos. Sin embargo, la pareja se reconcilió antes de la muerte de él en septiembre de 1952.

Lady Nancy Astor siguió viviendo en la vasta mansión barroca de Berkshire pero después de 1956 se fue incrementando su aislamiento. Todos sus hijos, por una u otra razón, se alejarían de ella. Al final, sin embargo, se trasladaría definitivamente a casa de su hija, Grimsthorpe Castle, en Lincolnshire, donde fallecería el 2 de mayo de 1964, cuando le faltaban 17 días para celebrar su 85 cumpleaños.

Lady Astor con el diamante Sancy en su tiara, 1936

Citas

Lady Astor es casi tan famosa por su ingenio mordaz como por su carrera política. Muchas de sus mejores citas conocidas demuestran su punto de vista personal y político, como el feminismo, la templanza y el conservadurismo, mientras que otras son meramente humorísticas. Sin embargo, como es conocida por su ingenio, a veces se le atribuyen declaraciones sin pruebas concluyentes de que en realidad las dijera. Ejemplos de tales, incluyen:

• I refuse to admit that I am more than fifty-two, even if that does make my sons illegitimate. (“Me rehúso a admitir que tengo más de cincuenta y dos, incluso si eso hace que mis hijos sean ilegítimos”)
• In passing, also, I would like to say that the first time Adam had a chance he laid the blame on a woman. (“De paso, también, me gustaría decir que la primera vez que Adán tuvo oportunidad echó la culpa a una mujer”).
• My vigour, vitality, and cheek repel me. I am the kind of woman I would run from. (“Mi vigor, vitalidad y descaro me repelen. Soy del tipo de mujer que escaparía de ellos”).
• One reason why I don't drink is because I wish to know when I am having a good time. (“Una razón por la que no bebo es porque deseo saber cuando estoy pasando un buen momento”).
• The main dangers in this life are the people who want to change everything... or nothing. (“El principal peligro en esta vida es la gente que quiere cambiar todo… o nada”).
• The only thing I like about rich people is their money. (“La única cosa que me gusta de los ricos es su dinero”)
• Women have got to make the world safe for men since men have made it so darned unsafe for women. (“Las mujeres tienen que hacer al mundo seguro para los hombres desde que los hombres lo han hecho tan condenadamente inseguro para las mujeres”).
• We women talk too much, but even then we don't tell half what we know. (“Nosotras las mujeres hablamos demasiado, pero ni entonces decimos la mitad de lo que sabemos”).

Lady Astor, 1949

Por lejos, las citas más famosas son tomadas de los intercambios entre Nancy y Winston Churchill pero, al igual que las declaraciones anteriores, éstos no están bien documentados y pueden serles atribuidos por error. Los ejemplos incluyen un caso en que Churchill se supone que dijo a Lady Astor que tener una mujer en el Parlamento era como tener un intruso mientras él estaba en el cuarto de baño, a lo que ella respondió: “Usted no es lo suficientemente apuesto como para tener esos temores”. Lady Astor también dijo haber respondido a una pregunta de Churchill sobre qué debían usar en un baile de máscaras diciendo: “¿Por qué no viene sobrio, Primer Ministro?”.

Uno de los más famosos intercambios que se pretende que Lady Astor tuvo con Churchill es el siguiente:
- Winston, está borracho.
- Y usted, Madam, es fea. En la mañana, yo voy a estar sobrio.
De hecho, Churchill estaba hablando a Bessie Braddock, una diputada laborista.

Lady Astor, 1952